Yotam Peled

The Dance, research and history of Yotam Peled in a world torn apart by hatred

Yotam Peled is an artist who loves to travel bringing his artistic creations more or less anywhere in the world. Choreographer, dancer and actor, he also performed in Rome with his solo “Boys Don’t Cry”. He was selected and strongly supported by Davide Romeo, the innovative artistic director of “Corpo Mobile” Festival, who introduced him to the audience that appreciated his talent. It was inevitable he would be awarded with the main prize, the artistic residence, as well as the second one as “best dancer”. It was the most intense moment of a contemporary dance event and choreographic experimentation, of a redevelopment of the territory, hosted by Teatrocittà theatre, in a peripheral context that Mr. Romeo defined as a “network, a strong, human response and a 360-degree sharing”.

Yotam Peled was born on a kibbutz in northern Israel in 1989. He started dancing at 21; he studied dance, theater and contemporary circus. Later he worked as a freelance for several choreographers and companies, including Maura Morales, Yann L’hereux, Troels Primdahl, Jill Crovisier, Mitita Fedotenko and performed in festivals and venues in Israel, Germany, Japan, Italy, France and Vietnam. His stylistic signature combines acrobatic and contemporary. It moves from the concept of breaking form, triggering virtuosity in a flow. His technique is the result of physical experience, of a balance between pushing and reaching the maximum, using the minimum necessary.

In Boys Don’t Cry, Yotam Peled moves on the floor, easily tackles difficult movements. His energy is soft and effective, the dynamics move from inside to outside and the other way around. The last award in chronological order was given last June 15th in Poland. At the Gdański Festiwal Tańca the solo won the public prize and the third place of the jury prize in addition to those of MASDANZA, Awaji street art in Japan and Wurzburg dance festival. His upcoming events include the Danceacrobatics in Barcelona with Kenan Dinkelmann (June 29th and 30th) and Alpha’s long-awaited premiere in Berlin. Following him in his movements requires adequate training, but once Yotam starts talking, it’s as if time stops and the interlocutor dances with him.

Boys Don’t Cry – Yotam Peled – Performance di Barak Rotem.

The origins, the beginning, the influences, your experience… How much and how they have determined the artist you are today

I grew up in a Kibbutz, and I didn’t think I’d become an artist. I was always interested in creative work, and enjoyed painting and fine arts, but I spent most of my time in social or political activities, through education work. When I was eighteen I came out of the closet as homosexual, at the same time I also joined the Israeli military forces. Everyone in Israel has to do it. During that time I began to live my sexual identity as I wanted to, and luckily I received a lot of support. It was very critical shaping who I am as an artist, or how I started forming my artistic identity. Through the experiences I had, dealing with my emotions and my sexuality, I understood that it was something that I want to share and work with. I was always very athletic and loved sports, but I only started to dance when I was twenty-one, after finishing the Military Service. When I moved from Israel to Berlin I felt free to research and create, to find my own voice in dance. It was very clear for me that I want to begin with my origins, with my life – that was the first step. When I learned how to tell my story I was also able to tell people’s stories. The experiences of growing up in a socialist environment, spending time in Israel defence Forces, coming out as homosexual… even if they didn’t direct the decisions that I make today as an artist, they had a big influence on my vision and the topics I choose to work with.

Was it a conservative society in Israel, where you lived, or not? What about the importance of a military system and discipline for a young male dancer?

The society in Israel is quite complex, and I will try to describe it in a way that is true to reality, since it is not something that you can say in a few words. Where I grew up is not very conservative, I was very lucky and privileged to have a supporting family and good friends. Other parts of Israel can be quite conservative. Many things are still a taboo – especially homosexual relationships. Men sharing their feelings, exploring their emotional world, and men dancing are things that are not forbidden, but they are not well seen. There is still a macho-man prototype, a topic I research in my work, that is somehow related to our army-culture. (All men and women go to Military Service) For men it is not usual to share their feelings, to discuss what they go through. There are scars and open wounds left, especially on the ones that go to Combat Service.

There is something in the character of Israeli man that is hard, strong and heroic, it also blocks him from dealing with the stress and his burden. I did not do combat service, I was in the field of education, and I did office work. It was almost like a job I think if I didn’t wear a Uniform or had a commander, it was not what you can imagine as military service. I took some of the narrative of the Army into my work, especially for the solo ‘Boys Don’t Cry’. Part of it is based on experiences of other people, regarding the History of War in Israel, and the other part is playing with people’s’ fantasies of what the Army is, what it is like to be a Soldier. People tend to see soldiers and war as sexy, heroic and beautiful. Reality Is not like that, it’s a business of death actually. When I created this solo work, and also the rest of my choreographies, gestures and actions from daily life emerged into dance. This is why Boys Don’t Cry contains a lot of actions that everyone has to do while training in the Army – as well as the rigidness and the discipline. I believe a lot in the Communication of ideas through gestures, in choreography that comes from real intentions and real actions. In this way I can tell a story without using literal theater.

What moved you to Corpo Mobile Festival? Tell us more about the day you have decided it: how did you feel and what happened after?

I’ve heard of Corpo Mobile through a friend I have in Rome; she told me about the Festival, and I am always in search of opportunities to present my work to new audiences and new places. I had no expectations. I had read some information about it, but didn’t have a clear idea of what it is like. When I arrived at the theater I was quite surprised, because I imagined it would be big and in the center of Rome. I actually really liked the fact that it was small and in the suburbs, and that so many people with different backgrounds can approach contemporary dance through the festival.

There was a lot of energy and the feeling of a community. I was happy to discover so many strong italian dancers and artists in the festival. Everyone was open, interested in my work and having a dialogue with me, as well as sharing their own. Corpo Mobile is created by people who want to communicate and be together. The festival’s performances were intense and beautiful. Each time I perform Boys Don’t Cry it is different, because of the place, the people and my emotional state.
I had no expectations to receive awards for my performance. It surprised me very much, as well as all the support I received from the festival and from the jury. Even if none of us did it for prizes or the money, it is reassuring when people appreciate and support your work

What do you think about the urgency of bringing the dance and experimenting on the suburbs of a big city?

We are in a critical situation which I’ve talked about some time ago with a friend of mine. Many people talk about dance as a dying art. I think that if you want to create dance, you need to share it in places where people can join you and be part of it, by finding platforms that make the community evolve. It starts with the cost of the ticket, the choice of the place, who is the performer. It should be a social action that is open to all, not just a small Elite. Unfortunately in many places Dance is still something reserved and for a few privileged people not for everyone.

Is there something in Boys Don’t cry that connects sexual identity, masculine and feminine, with emotions and crying?

I like working with kitsch. I think it can create an easy way for people to connect with an idea. I don’t know exactly when or how the title came. I think that more or less everywhere it is simple for men to express their emotions. Boys Don’t Cry refers to this. Especially for boys, not just men. It has to do with education: when you grow up you learn your role in society, and that “masculine” means to lock up inside a part of your emotional world. The journey I made with my sexual identity has allowed me deal with, and slowly undo these blocks. This performance is important for me since it gives a possibility for people who look at me, especially men, to go somewhere with themselves and let something happen inside.

What can you anticipate about your new productions and new creations?

At the moment, and since the end of last year, I am involved with a long-term project. It is a trilogy of performances of dance-theater that aim to expand the connection between the religious history of mankind, evolution, gender roles, and power structures in modern society.

The first performance is called ALPHA; it is a project that will have its premiere in Berlin in August 21-23. with five incredible dancers, in a space called “Trauma Bar und Kino”. ALPHA exists in an alternative universe, trying to imagine how society could have been different If only we had made other choices in the past – relating to the religious and scientific origins of the homo-sapiens. We work with masculine and the feminine, and how have they formed our society. Different gender roles and different power structures can create different societies. It’s a bit of a cynical and a dark piece, and touches difficult topics, and I hope that with the collaboration of the other artists involved in this production I will manage to create something powerful. This project was also selected to a platform called Talent Lab, in the Grand Theater of Luxembourg, which is mentored by famous choreographer Hofesh Shechter, who will assist me in the first process of creation.

The second part of the creation will take place in the Choreographic Center of Heidelberg, and we will finish and premiere the piece in Trauma Bar und Kino in Berlin. The venue is a theater, a cinema and a club, and aims to attract alternative audiences and support the queer community.

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La danza, la ricerca e la storia di Yotam Peled in un mondo lacerato dall’odio

Yotam Peled è un artista che ama viaggiare e portare le sue creazioni più o meno ovunque nel mondo. Coreografo, danzatore e attore, si è esibito recentemente a Roma presso Teatrocittà, con l’assolo Boys Don’t Cry, nell’ambito del Festival Corpo Mobile, fortemente voluto e selezionato dal direttore artistico Davide Romeo. Era inevitabile che gli venisse riconosciuto il premio principale, quello della residenza artistica e contestualmente quello come miglior danzatore.

Yotam Peled è nato in un kibbutz nel nord di Israele nel 1989. Ha iniziato a ballare a 21 anni; ha studiato danza, teatro e circo contemporaneo. Successivamente ha lavorato come freelance per diversi coreografi e compagnie, tra cui Maura Morales, Yann L’hereux, Troels Primdahl, Jill Crovisier, Mitita Fedotenko e si è esibito in festival e luoghi in Israele, Germania, Giappone, Italia, Francia e Vietnam. La sua cifra stilistica unisce l’acrobatico e il contemporaneo. Muove dal concetto di rompere la forma, innescando il virtuosismo in un flusso. La sua tecnica è il risultato di esperienza fisica, di un balance tra spingere ed arrivare al massimo, utilizzando il minimo necessario.

In Boys Don’t Cry, Yotam Peled si muove sul pavimento, affronta con facilità movimenti difficili. La sua energia è morbida ed efficace, le dinamiche si spostano da dentro a fuori e viceversa. L’ultimo riconoscimento in ordine cronologico è stato assegnato lo scorso 15 giugno in Polonia. Al Gdański Festiwal Tańca ha vinto il premio del pubblico e il terzo posto del premio della giuria che si aggiungono a quelli di MASDANZA, Awaji street art in Japan and Wurzburg dance festival. I suoi prossimi appuntamenti includono il Danceacrobatics a Barcellona con Kenan Dinkelmann (il 29 e 30 giugno) e l’attesa premiere di Alpha a Berlino. Seguirlo nei suoi spostamenti richiede un adeguato allenamento, ma una volta che Yotam inizia a parlare è come se il tempo si fermasse e l’interlocutore danzasse insieme a lui.

Boys Don’t Cry – Yotam Peled Ph. Barak Rotem.

Le origini, gli inizi, le influenze, la tua esperienza: quanto e come hanno determinato il tuo modo di essere artista oggi?

Sono cresciuto in un kibbutz e non pensavo che un giorno sarei diventato un artista. Mi interessava il lavoro creativo, mi piacevano la pittura e le belle arti. Passavo la maggior parte del mio tempo coinvolto in attività sociali o politiche, nel lavoro educativo. A diciotto anni, sono uscito allo scoperto come omosessuale, allo stesso tempo mi sono unito alle forze militari israeliane. Tutti in Israele devono farlo, è obbligatorio. Durante quel periodo ho iniziato a vivere la mia identità sessuale come volevo e, fortunatamente, ho ricevuto molto sostegno. È stato molto importante per plasmare chi sono come artista, come ho iniziato a formare la mia personalità artistica. Attraverso le esperienze che ho fatto, affrontando le mie emozioni e la mia sessualità, ho capito che era qualcosa con cui volevo lavorare e che volevo condividere. Sono stato sempre molto atletico, amavo lo sport, ma ho iniziato a ballare solo a ventun anni, dopo aver finito il servizio militare.

Quando mi sono trasferito, da Israele a Berlino, mi sono sentito libero di ricercare e creare, di trovare la mia voce nella danza. Per me è stato molto chiaro che volevo iniziare dalle mie origini, dalla mia vita, questo è stato il primo passo. Quando ho imparato a raccontare la mia storia, sono stato anche in grado di raccontare le storie delle persone. Tutte le mie esperienze: crescere in un ambiente socialista, passare il tempo nelle forze di difesa israeliane, fare coming out … anche se non hanno diretto le mie decisioni di oggi come artista, hanno avuto una grande influenza sulla visione e sugli argomenti con cui ho scelto di lavorare.

Era una società conservatrice in Israele, quella in cui vivevi? Quanta importanza hanno avuto il sistema militare e la disciplina per un giovane danzatore?

La società in Israele è piuttosto complessa e cercherò di descriverla in un modo che sia fedele alla realtà, poiché non è qualcosa che si può dire in poche parole. Dove sono cresciuto non è un ambiente molto conservatore. Sono stato molto fortunato, ho avuto il privilegio di avere una famiglia che mi ha sempre sostenuto e buoni amici. Altre zone dello Stato possono essere piuttosto conservatrici. Molte cose lì sono ancora un tabù, specialmente le relazioni omosessuali.

Uomini che condividono i loro sentimenti, che esplorano il loro mondo emotivo e, nella danza, gli uomini che ballano sono realtà che non sono proibite, ma non sono ben viste. Esiste ancora un prototipo di uomo-macho che è argomento di ricerca nel mio lavoro e che in qualche modo è collegato alla nostra cultura militare. Tutti gli uomini e le donne vanno al servizio militare, per i primi non è usuale condividere i loro sentimenti, discutere di quello che stanno vivendo. Ci sono cicatrici e ferite lasciate aperte, specialmente su quelli che vanno al Combat Service. C’è qualcosa nel carattere dell’uomo israeliano che è duro, forte ed eroico,che lo blocca anche nell’avere a che fare con lo stress e il suo fardello. Non ero nel servizio di combattimento, ma ho lavorato in ufficio e nel campo dell’educazione. Era quasi come un impiego.

Ho portato parte della narrativa dell’esercito nel mio lavoro, specialmente per l’assolo Boys Don’t Cry. Parte di esso si basa su esperienze di altre persone, riguardo alla Storia della Guerra in Israele, e l’altra parte gioca con le fantasie della gente su cosa sia l’esercito, com’è essere un soldato. Le persone tendono a vedere la guerra e i soldati come sexy, eroici e belli. La realtà non è così, in realtà è un business di morte. Quando ho creato questo lavoro da solista e anche il resto delle mie coreografie, i gesti e le azioni della vita quotidiana sono emersi nella danza. Questo è il motivo per cui Boys Don’t Cry contiene molti movimenti che tutti devono fare durante l’allenamento militare, così come c’è anche la resistenza e la disciplina dell’esercito. Credo molto nella comunicazione delle idee attraverso i gesti e nella coreografia che deriva da intenzioni e azioni reali. In questo modo posso raccontare una storia senza usare il teatro letterale.

Cosa ti ha portato al Festival Corpo Mobile? Racconta qualcosa di più sul giorno in cui l’hai deciso: come ti sei sentito e cosa è successo dopo?

Ho sentito parlare di Corpo Mobile da un’amica che ho a Roma. Lei mi ha raccontato del Festival, sono sempre alla ricerca di opportunità per presentare il mio lavoro ad un nuovo pubblico in nuovi posti. Quando sono arrivato al teatro sono rimasto piuttosto sorpreso, perché avevo immaginato che sarebbe stato grande e nel centro di Roma. In realtà mi è piaciuto molto il fatto che fosse piccolo e in periferia e che così tante persone con background diversi avevano potuto avvicinarsi alla danza contemporanea attraverso il festival. C’era molta energia e la sensazione di una comunità. Sono stato felice di scoprire così tanti forti ballerini e artisti italiani nel festival.

Le esibizioni del festival erano intense e bellissime. Ogni volta che eseguo Boys Don’t Cry è diverso a causa del luogo, delle persone e del mio stato emotivo. Non avevo aspettative nel ricevere premi per la mia esibizione. Mi ha sorpreso molto, così come tutto il supporto che ho ricevuto dal festival e dalla giuria. Anche se nessuno di noi lo ha fatto per premi o per il denaro, è rassicurante quando le persone apprezzano e sostengono il tuo lavoro.

Cosa ne pensi dell’urgenza di portare la danza e sperimentare nei sobborghi di una grande città?

Siamo in una situazione critica di cui ho parlato qualche tempo fa con un mio amico. Molte persone ne parlano come di un’arte morente. Penso che se vuoi creare la danza, devi condividerla in luoghi in cui le persone possono unirsi a te e farne parte, trovando piattaforme che fanno evolvere la comunità. A iniziare dal costo del biglietto, la scelta del luogo, chi è l’esecutore. Dovrebbe essere un’azione sociale aperta a tutti, non solo rivolta a una piccola elite. Purtroppo in molti posti la danza è ancora qualcosa di riservato e per pochi privilegiati, non per tutti.

C’è qualcosa in Boys don’t cry che collega l’identità sessuale, il maschile e il femminile, con le emozioni e il pianto?

Mi piace lavorare con il kitsch. Penso che possa creare un modo semplice per le persone di connettersi con un’idea. Non so esattamente quando o come è arrivato il titolo. Penso che più o meno ovunque sia semplice per gli uomini esprimere le loro emozioni. Boys Don’t Cry si riferisce a questo. Soprattutto per i ragazzi, non solo per gli uomini. Ha a che fare con l’educazione: quando cresci impari il tuo ruolo nella società, quel “maschile” significa bloccare dentro una parte del proprio mondo emotivo. Il viaggio che ho fatto con la mia identità sessuale mi ha permesso di affrontare e lentamente annullare questi blocchi. Questa performance è importante per me dato che dà una possibilità alle persone che guardano me, soprattutto gli uomini, di andare da qualche parte con se stessi e lasciare che qualcosa accada dentro.

Cosa puoi anticipare delle tue nuove produzioni e nuove creazioni?

Al momento, e fin dalla fine dell’anno scorso, sono coinvolto con un progetto a lungo termine. È una trilogia di spettacoli di teatro-danza che mirano ad espandere la connessione tra la storia religiosa dell’umanità, l’evoluzione, i ruoli di genere e le strutture di potere nella società moderna. La prima esibizione si chiama ALPHA; è un progetto che avrà la sua anteprima a Berlino dal 21 al 23 agosto. Con cinque incredibili ballerini, in uno spazio chiamato Trauma Bar und Kino. L’ALFA esiste in un universo alternativo, cercando di immaginare come la società avrebbe potuto essere, diversa, se solo avessimo fatto altre scelte nel passato – relative alle origini religiose e scientifiche dell’homo-sapiens.

Lavoriamo con il maschile e il femminile e su come hanno formato la nostra società. Ruoli di genere diversi e diverse strutture di potere possono creare società diverse. È un pezzo un po’ cinico e oscuro, tocca argomenti difficili e spero che, con la collaborazione degli altri artisti coinvolti in questa produzione, riuscirò a creare qualcosa di potente. Questo progetto è stato anche selezionato per una piattaforma chiamata Talent Lab, nel Gran Teatro di Lussemburgo, che è guidato dal famoso coreografo Hofesh Shechter il quale mi assisterà nel primo processo di creazione.

La seconda parte della creazione si svolgerà nel centro coreografico di Heidelberg. Quando finiremo, debutteremo al Trauma Bar und Kino a Berlino. La sede è un teatro, un cinema e un club. Mira ad attrarre pubblico alternativo e a sostenere la comunità queer.

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Fuori Programma. Festival internazionale di danza contemporanea a Roma

Fuori Programma, con la direzione artistica di Valentina Marini, alla sua quarta edizione torna in scena nell’estate 2019 appunto con un “Fuori Programma” tracciando un itinerario di spettacoli e laboratori diffusi per la città. Dalla precedente sede del Teatro Vascello a Monteverde si sposta per abitare gli spazi del Teatro India, Teatro Biblioteca Quarticciolo, Daf Dance Arts Faculty. Dieci artisti provenienti dall’Italia, Germania, Francia, Spagna condividono con il pubblico visioni e creazioni che ci accompagnano dal 27 giugno al 7 settembre. Il Festival è prodotto da European Dance Alliance/Valentina Marini Management con il contributo di Regione Lazio – Assessorato alla Cultura e Politiche Giovanili , con il sostegno di Teatro di Roma, Teatro Biblioteca Quarticciolo e CrAnPi.

Derivazioni di Salvo Lombardo
Derivazioni di Salvo Lombardo

Il Festival apre il 27 giugno alle ore 19.30 con il percorso urbano Derivazioni (Teatro Biblioteca Quarticciolo) a firma di Salvo Lombardo (IT) per Chiasma, parte di un ciclo di performance urbane numerate progressivamente e realizzate in diverse città italiane. I temi principali del lavoro nascono da un’indagine che Salvo Lombardo sta conducendo negli ultimi anni sulla percezione e la memoria del gesto in rapporto all’idea di spazio pubblico. L’1 luglio alle ore 21.00, Thomas Noone (ES) in After the party (Teatro Biblioteca Quarticciolo), debutto assoluto della sua nuova creazione, co-prodotta dal Festival in cordata con le principali istituzioni spagnole: è una creazione che, oltre a segnare una breve pausa di creazione per la sua compagnia, è anche un’inflessione nella sua carriera di performer che si misura con il teatro di figura. Il 2 luglio alle ore 19.30, Noone è protagonista della pièce site specific As if I (Daf Dance Arts Faculty). È ancora lo spazio urbano del quartiere Quarticciolo e il palco dell’omonimo teatro a ospitare l’8 luglio alle ore 20.30 e 21.30 Variation n.1 a firma di Camilla Monga (IT), parte dello spettacolo Golden Variations -pièce per un trombettista e due performer -e creata appositamente per Fuori Programma Festival in attesa del debutto in versione completa a Bolzano Danza. Dal 10 luglio si apre la sezione Festival ubicata al Teatro India che ospita in apertura l’anteprima del nuovo atteso progetto di e con Michela Lucenti Concerto Fisico,uno spettacolo che celebra i 15 anni della ricerca artistica del collettivo Balletto Civile (IT); a seguire il 21 luglio alle ore 21.00, un altro appuntamento importante, Erectus di Abbondanza/Bertoni (IT), secondo capitolo del progetto Poiesis di cui abbiamo ospitato lo scorso anno, con risultati straordinari, il primo lavoro, La Morte e la Fanciulla. Il 24 luglio segue una serata doppia, pensata per gli spazi di India e dedicata alla prima nazionale di Equal Elevations (ore 21.00) del visionario Marcos Morau e il suo gruppo La Veronal (ES) seguito da un Inedito (ore 21.45) in esclusiva per Fuori Programma a firma di Mauro Astolfi per Spellbound Contemporary Ballet (IT). Il 27 luglio alle ore 21.00 è in calendario il quarto e ultimo spettacolo a India, che vede in scena per la prima volta a Roma e in esclusiva italiana la Sita Ostheimer Company (DE) in Us-Two, progetto nato per spazi industriali e perfetto per l’ambiente urbano del Teatro India; lo spettacolo che fa tappa a fine luglio a Bolzano Danza. Ancora un progetto vicino ai processi e alle stesure laboratoriali, le restituzioni, il 31 luglio ore 19.00 negli spazi del Daf, del risultato creativo del Summer Intensive dell’acclamato autore Emanuel Gat (FR). La chiusura del programma riporta il pubblico il 6 e 7 settembre ore 18.00 e 21.00 negli spazi del Teatro Biblioteca Quarticciolo per le quattro recite di Anima di Emanuele Soavi In Company (DE), una performance site specific di danza e video arte già nominata al Premio Danza Volonia 2017.

Fuori programma  propone dunque uno sguardo sul vasto paesaggio della scena internazionale, raccogliendo una gamma di creazioni espressione di linguaggi differenti, legate a una geografia altrettanto variegata per portare in scena negli appuntamenti del Festival, una sintesi delle più interessanti e recenti produzioni coreografiche. L’approccio alla danza contemporanea diventa quindi un atto di fiducia per rinnovare i propri interessi, per ridisegnare la poetica e il senso estetico che appartiene alla nostra civiltà, e si pone come dispositivo per riscoprire, attraverso l’uso del corpo e la musica, una sensibilità volta alla pluralità e alle differenze.” La scelta, non facile, di collocare la programmazione durante il periodo estivo, nasce dalla volontà di creare una continuità nell’offerta culturale cittadina e non condizionare l’immaginario dei mesi estivi alle sole proposte pop en plen air ma permettere ai tantissimi romani che ancora in estate risiedono in città, così come ai turisti che affollano la nostra meravigliosa Roma, di usufruire di una proposta artistica che che guardi all’Europa riuscendo a fare da ponte tra questa e gli altri Festival estivi nazionali.

Fuori Programma rinnova anche quest’anno la collaborazione con Casa dello Spettatore che curerà INCONTRO ALLA DANZA_fuori programma. Tre appuntamenti con il pubblico l’1, 21 e 27 luglio, per percorrere insieme un cammino condiviso dentro gli angoli di un’arte antica, costantemente elaborata e ripensata. Gli incontri si terranno a partire dalle ore 19.00 al Teatro Biblioteca Quarticciolo l’1 luglio e Teatro India il 21 e 27 e sono a ingresso gratuito. Per partecipare e richiedere informazioni è possibile scrivere a info@casadellospettatore.it.

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Balletto Teatro di Torino. Le metamorfosi di un ensemble

 

Fondato nel 1979 da Loredana Furno, il Balletto Teatro di Torino ha affrontato negli anni un repertorio molto vasto e si è contraddistinta come compagnia legata ad un coreografo residente che lavorava tutto l’anno con la compagnia sviluppando un linguaggio molto preciso, una sorta di “firma” autoriale riconoscibile e formando quindi anche il vocabolario fisico e dinamico dei danzatori. Nel 2017 Loredana Furno ha passato il testimone della direzione della compagnia a Viola Scaglione, che ha danzato – e danza tuttora – nel BTT, con cui ho avuto il piacere in diverse occasioni di confrontarmi.

Negli ultimi due anni il Balletto Teatro di Torino ha iniziato un percorso di crescita sviluppando progetti interdisciplinari in Piemonte e in realtà nazionali (Concept #1, We can be waves, Stage to screen – Experiment #1, Perfect Broken), oltre alla messa in scena di “spettacoli d’autore”: da Josè Reches (Kiss me hard before you go) a Jye-Hwei Lin (I love you but) e Laura Domingo Agüero, fino ai più recenti Andrea Costanzo Martini ed Ella Rotschild (Balera/Timeline), il duo Ivgi&Greben (Document) e un progetto in cantiere con Manfredi Perego.

Viola Scaglione non definisce questa fase della compagnia come una trasformazione, ma come una naturale presa di coscienza maturata in anni di esperienza. Oltre al suo impegno come danzatrice, Viola ha affiancato tutti i coreografi che nel corso degli anni hanno collaborato alle produzioni della formazione artistica. Proprio questa esperienza ha fatto maturare l’idea che il modello di compagnia d’autore non fosse più l’unico riferimento possibile. L’impronta adottata dal Balletto Teatro di Torino è quella della massima versatilità, all’insegna dello slittamento continuo fra autori, stili diversi e linguaggi coreografici. Connotato rilevante alla luce del panorama italiano, ormai stretto nella morsa dei soli, dei duetti e delle produzioni express, declinabili a ogni situazione performativa,

Come una compagnia sceglie i propri coreografi? In base a quali parametri? In base a quali – dato raro e quanto mai confortante – principi etici e professionali?

L’attuale direzione, alimentata da una continua curiosità nei confronti del panorama contemporaneo, sceglie gli autori in base alle loro metodologie e tecniche di trasmissione, agli spazi che vengono dati al processo creativo, il quale assume un’importanza equivalente al momento finale della messa in scena. L’approccio condiviso, rispettoso e sano fra coreografo e danzatore, mai sottoposto all’abitudine di un lavoro sempre uguale e riconoscibile, chiede a noi di guardare con occhio diverso il percorso di una compagnia e scrutandola come un organismo continuamente in cambiamento, non solo dal punto di vista formale, ma soprattutto artistico.

Il Balletto Teatro di Torino ha dimostrato in questa stagione l’efficacia del cammino intrapreso attraverso le due nuove creazioni: Timeline, della coreografa israelo-tedesca Ella Rotschild e Balera del piemontese Andrea Costanzo Martini. Questi due coreografi, accomunati da una formazione estremamente tecnica e anche dal comune percorso lavorativo sia per la Batsheva Dance Company che per Inbal Pinto, hanno lavorato con i danzatori con esiti estremamente diversi.

In Timeline, pièce ambientata in uno spazio scenico cupo ed essenziale, i danzatori entrano solennemente fino a porsi davanti al pubblico attivando un gioco basato sulle trasmissioni di movimento da un corpo all’altro. La linea del tempo disegnata dalla Rotschild passa attraverso le quotidianità e gli accadimenti del nostro vivere, focalizzandosi su come questi vengono interpretati ed elaborati dalle persone. Il centro di questa creazione è una danzatrice, abbandonata in un angolo dello spazio, mentre il gruppo si perde in una concitata conversazione ignorando quello che è accaduto a un altro essere umano.

Il tempo viene riletto dalla coreografa, e interpretato con puntiglio dai performer, come un inesorabile processo che può essere frammentato, concentrato, dilatato dai ricordi vissuti dai performer. Il succedersi di azioni, ripensamenti, ricordi avviene in chiave ironica, ma la discontinuità apparente dei vari momenti trova la sua chiave nella continua interazione spaziale fra i danzatori.

Più diretto ed esplicito – come d’altronde ha già dimostrato in altre sue creazioni – è Balera di Andrea Costanzo Martini. In questa creazione l’impronta fisica dell’autore risulta maggiormente risaltata nella sua chiave stilistica riconoscibile, soprattutto nell’uso dei tempi e intensità di movimento e nelle disposizioni spaziali. In questa pièce emerge con forza il grande lavoro di trasmissione che è stato realizzato in fase di costruzione. La scena si apre con uno schieramento di sedie, i danzatori vestiti con abiti scelti in tinte grezze e monocromatiche e un grande cono/grammofono appeso sovrasta tutta la scena e modifica l’illuminazione sul palco, in un gioco di ombre a tratti sinistro. Il grammofono ricorda curiosamente il logo della casa discografica di inizio Novecento His Master’s Voice.

Combinazione intrigante se si pensa che questo lavoro esplora il rapporto fra codici di movimento stringenti e “rigidi” e il piacere della dinamica libera. Sulle sedie i danzatori sono presi da una serie di piccoli movimenti controllati ma estremi, con una precisa intensità espressiva volta a esplodere in diversi momenti verso il pubblico. Una voce dall’alto impone ai danzatori i passi da eseguire, le parti del corpo da muovere, fino a portarli a una liberazione dinamica ed esplosiva, interpretata in chiave ironica nell’esasperazione del vocabolario classico e dei balli folklorici. Una scelta ardita quella di concludere lo spettacolo con una coreografia scritta su una canzone dal ritmo persistente e riconoscibile, che tocca in qualche modo l’immagine dei balli di gruppo di una balera.

Queste due creazioni hanno dato modo al pubblico torinese di vedere una compagnia che punta a crescere in ambito nazionale ed europeo e che punta ad ampliare il proprio repertorio all’insegna del continuo cambiamento, con energie sempre rinnovate e obiettivi rinnovati. La città di Torino ha bisogno, oggi come non mai, delle realtà solide che da anni lavorano sul territorio e fanno assurgere la città a centro di produzione coreica di rilievo.

TIMELINE
Coreografia Ella Rothschild

BALERA
Coreografia Andrea Costanzo Martini

Disegno luci: Yoav Barel
Costumi: Walter&Hamlet
Assistente: Lorenzo Ferrarotto
Danzatori del Balletto Teatro di Torino: Lisa Mariani, Viola Scaglione, Wilma Puentes Linares e successivamente Nadja Guesewell, Flavio Ferruzzi, Hillel Perlman, Emanuele Piras

Creazione 2018 per il Balletto Teatro di Torino

Con il patrocinio e il sostegno dell’Ambasciata di Israele in Roma

In collaborazione con la NOD – Nuova Officina della Danza
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Matera 2019, danzando sul Mediterraneo

Si sono concluse le selezioni dei coreografi che porteranno nel prossimo mese di giugno a Matera – Capitale europea della Cultura 2019 – il debutto di un esperimento creativo collettivo: una coreografia espressione appassionata dei metodi e delle drammaturgie della danza contemporanea.

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I quattro coreografi scelti sono Olimpia Fortuni (Italia), Yeinner Chicas (Spagna-Nicaragua), Leonardo Maietto (Italia), Bassam Abu Diab (Libano). Sono chiamati ad una sfida culturale cruciale: talenti con provenienze, visioni e percorsi artistici differenti daranno corpo a una danza che sappia intrecciare esperienze, visioni ed estetiche individuali in un’opera collettiva che evochi le culture del Mediterraneo. Si tratta del processo selettivo condotto da “Sedimenti”, la sezione del Progetto “Petrolio. Uomo e natura nell’era dell’Antropocene”.

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Biennale danza, leone d’oro ad Alessandro Sciarroni

Leone d’oro alla carriera ad Alessandro Sciarroni, considerato fra i più rivoluzionari coreografi della scena europea; Leone d’argento in coppia agli artisti francesi Steven Michel e Theo Mercier: sono i Leoni per la Danza 2019 assegnati dalla Biennale di Venezia.

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Lo ha deciso il cda, accogliendo la proposta della Direttrice del settore danza, Marie Chouinard. La consegna dei Leoni avrà luogo il 21 giugno a Ca’ Giustinian, sede della Biennale, in occasione dell’apertura del 13/o Festival Internazionale di Danza Contemporanea in programma dal 21 al 30 giugno.

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Vie Festival: teatro e danza con artisti provenienti da dieci Paesi diversi

 

Artisti e Compagnie da Uruguay, Messico, Grecia, Ungheria, Belgio, Germania, Francia, Cina, Usa e Italia: dal primo al 10 marzo tornano a Vie Festival in sei città dell’Emilia-Romagna (Bologna, Modena, Carpi, Castelfranco, Vignola e Cesena) creazioni di teatro e danza che condurranno lo spettatore su nuove ‘vie’, artistiche, geografiche e dell’anima.

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In questa 14/a edizione l’intreccio e l’interazione si faranno più forti e si arricchiranno della presenza della seconda edizione di ‘Atlas of Transition Biennale’, negli stessi giorni a Bologna. Due sguardi, due percorsi che pur nella loro autonomia si intrecciano e coesistono, offrendo orizzonti più ampi allo spettatore. La biennale nel capoluogo emiliano, ‘Home’, ospiterà artiste provenienti da Costa d’Avorio, Mali, Estonia, Ruanda, Siria, Palestina, Cuba, per instaurare una relazione privilegiata con le comunità straniere presenti in città, progettare azioni con adolescenti e dare spazio alle ricerche artistiche delle seconde generazioni.

MAGGIORI INFO > https://www.viefestival.com/vie2017/

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BlakSoulz dance crew. Intervista alla coreografa Elisa Balugani

La Compagnia BlakSoulz nasce nel 2003 a Modena. È diretta da Elisa Balugani che abbiamo intervistato in occasione della replica dello spettacolo EKstase presso Homework Spazio OFF (Villafranca):

Come nasce la formazione artistica BlakSoulz? Quali sono state le tappe fondamentali, gli incontri e i riferimenti artistici che vi hanno guidato nel vostro percorso?

Il progetto BlakSoulz nasce nel 2003 all’interno della scuola di danza La Capriola di Modena (che oggi ospita le prove della formazione artistica) dal mio incontro con ballerini molto diversi tra loro per background e percorsi di studio, costantemente aggiornati da corsi professionali e da esperienze di spettacolo e rappresentanti di un nuovo tipo di movimento in continua evoluzione che trae ispirazione dalle tecniche e gestualità dell’Hip Hop e della danza contemporanea. Durante gli anni i danzatori BlakSoulz hanno intrapreso percorsi di studio a livello professionale ottenendo risultati degni di nota in concorsi e contesti culturali nazionali ed internazionali. La formazione attuale è composta da : Simone Accietto, Nikita Cattini, Simone Schedan, Chiara Pellegrini , Lucia Greco, Ciro Sackie, Erik Galloni, Francesco Misceo, Francesca Galli, Emi Longagnani, Chiara Ugolini e le giovani nuove danzatrici Alessia Luciani e Beatrice Dieci.

Tra le peculiarità che connotano la vostra poetica emergono una forte coralità, un dinamismo sincronizzato dei corpi e una intensa espressività dei volti. Che tipo di lavoro viene svolto e quale processo creativo svilupate per realizzare questo risultato?

Il nostro lavoro è caratterizzato dalla contaminazione tra danze urbane, danza contemporanea, teatro fisico e ricerca di movimento con musica dal vivo. Il processo creativo è caratterizzato dall’interazione con artisti diversi quali coreografi, attori, musicisti, illustratori e video-maker con cui collaboro stabilmente. Tra questi ci teniamo a nominare Enrico Pasini (musicista che ha realizzato alcune parti musicali di EKstase) , Gaia Davolio (attrice), Marino Neri (illustratore), Bianca Serena Truzzi (video-maker che ha realizzato la parte di visual art per EKstase). Tramite laboratori coreografici sperimentiamo nuovi linguaggi con l’ambizioso intento di cercare nuove stimolanti forme espressive.

 “EKstase” è la vostra riflessione in tre atti sul tempo. Quali sono state le tappe fondamentali, le estetiche che hanno orientato la creazione di questo progetto?

La nostra nuova produzione EKstase è liberamente ispirata a “Canto alla durata” di Peter Handke. Si tratta di una riflessione sulla durata, intesa come la sensazione di vivere, come consapevolezza dell’attimo presente. Lo spettacolo è idealmente diviso in tre atti, tre atmosfere che descrivono l’attimo sfuggente della durata.

EKstase - BlakSoulz
EKstase – BlakSoulz

 

Nelle vostre creazioni il linguaggio corporeo dialoga frequentemente con la visual-art. Ci sono altre “contaminazioni artistiche” che vi incuriosiscono e che desiderate approfondire?

Le contaminazione artistiche non finiscono mai di stupirci e le possibilità di nuove idee e creazioni sono infinite. Per questo motivo desideriamo continuare la nostra ricerca attraverso la collaborazione costruita nel tempo con gli artisti che ci seguono e collaborano con noi. Sicuramente ci interessa molto la connessione tra danza e musica live e vorremmo cimentarci più spesso anche in creazioni site specific,, lavorando appunto sull’interazione tra danza, musica ed in questo caso la location (anche inusuale) che ci ospita. 

Quali sono i vostri progetti futuri?

Ci teniamo tantissimo a portare in giro il più possibile la nostra nuova produzione EKstase e contemporaneamente ci stiamo cimentando in nuove performance in collaborazione con gli artisti citati in precedenza. Proseguiamo con impegno il nostro percorso di ricerca con un occhio di riguardo per le nuove esperienze sia di studio che di spettacolo che ci arricchiscono sempre. Vorremmo anche portare sempre più spesso il nostro lavoro all’estero in nuovi contesti e davanti ad un nuovo pubblico.

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Festival di danza spagnola e flamenco all’Auditorium Parco della Musica di Roma

Ritorna, dal 10 al 20 gennaio, il Festival di danza spagnola e flamenco che da quest’anno avrà cadenza annuale e porterà a Roma, all’Auditorium Parco della Musica, le migliori tendenze della danza spagnola e della sua massima espressione, il Flamenco. Il festival, prodotto dalla Fondazione Musica per Roma con la direzione artistica di Roger Salas e la consulenza di David Lopez, è realizzato con il sostegno del ministero della Cultura spagnolo e dell’ambasciata di Spagna a Roma. A partire da questa edizione il festival gode del supporto della Comunità autonoma d’Andalusia – culla e tradizionale crogiolo del flamenco – l’ente amministrativo che è il massimo promotore mondiale di tutte le forme d’arte a esso legate.

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“Con l’edizione del 2019 prende il via anche l’ambizioso progetto di dedicare una serata ai giovani talenti (coreografe e coreografi, ballerine e musicisti under 34) che infondono sangue nuovo nel corpo di questa grande forma d’arte”, spiega il direttore artistico Roger Salas. “A Roma – continua Salas – andrà inoltre in scena la prima assoluta della nuova avventura condivisa di due straordinarie figure del mondo flamenco: la bailaora e coreografa sivigliana Belén Maya e la cantaora catalana Mayte Martín; la chitarrista Antonia Jiménez e il suo ensemble offriranno un concerto unico, mentre un ciclo di titoli storici e moderni del cinema spagnolo presenterà una panoramica del balletto flamenco e della sua evoluzione e costituirà l’occasione di vedere sullo schermo miti quali Antonio Ruiz Soler (El gran Antonio), Carmen Amaya e Antonio Gades. Due giovani ballerini dal futuro promettente, El Yiyo ed El Tete, daranno un saggio della potenza del nuovo flamenco maschile; la compagnia di Jesús Carmona approderà a Roma dopo i successi riportati in America e in Asia; Emilio Ochando mostrerà con il suo gruppo di ballerini un’altra faccia delle nuove tendenze del flamenco e della danza tradizionale spagnola. Infine Falla 3.0, il concerto del Camerata Flamenco Project, attualizzerà con grande rispetto e creatività le sonorità della musica eterna e ispirata di Manuel de Falla”.

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La Strada Winter. Festival di circo, musica, teatro e danza a Brescia

La Strada Winter, nato nel 2015, costituisce la versione invernale de La Strada Festival. Il Circuito CLAPS, che dal 2008 organizza il festival internazionale di circo contemporaneo, danza, teatro e musica nel centro storico di Brescia in estate, intende ampliare l’offerta culturale rivolta al territorio anche nei mesi freddi. L’obiettivo è fare in modo che la “festa” duri tutto l’anno e che gli abitanti (grandi, piccoli, ragazzi, famiglie) siano coinvolti nella fruizione di numerosi spettacoli dal vivo. Il pubblico ha risposto positivamente alle precedenti edizioni de La Strada Winter, che si sono svolte con continuità nei tre anni passati: sono stati raggiunti circa 10.000 spettatori.

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La IV edizione de La Strada Winter, come da tradizione, coinvolge il centro storico di Brescia e alcuni spazi performativi della città. Le location scelte per ospitare l’evento non sono solo all’aperto (piazze e strade, nel pomeriggio del 2 dicembre), ma anche al chiuso, per permettere a tutti di fruire al meglio delle occasioni di spettacolo nei freddi mesi invernali. Per il 2018, le sale che ospiteranno l’iniziativa sono: Teatro Santa Giulia (Via Quinta 5), Auditorium Bettinzoli (Via Caleppe 13), Teatro Chiostro San Giovanni (Contrada San Giovanni 8) e Spazio Danzarte (Villaggio Ferrari 25).

Il programma è articolato su 4 settimane, con spettacoli dall’1 al 22 dicembre presentati da compagnie italiane e internazionali. Il cartellone rimane fedele alle discipline promosse dal Circuito CLAPS: teatro, danza, circo contemporaneo e musica.

L’apertura sarà sabato 1 dicembre alle ore 20.30 al Teatro Chiostro San Giovanni, con lo spettacolo “Core’ngrato”: un viaggio eccentrico nella canzone napoletana del quintetto jazz Guarino – Savoldelli, un’interpretazione ironica delle appassionate melodie partenopee con spazi riservati all’improvvisazione. Al quartetto storico del Maestro bresciano Corrado Guarino si aggiunge Boris Savoldelli, tra le voci più interessanti del panorama jazz internazionale.

Il giorno seguente torna l’iniziativa per le vie e le piazze del centro storico in cui alcune compagnie si alterneranno in un susseguirsi di spettacoli (gratuiti) a elevato coinvolgimento del pubblico. La cornice dell’evento è VENTICINQUE DODICI – TEMPO DI NATALE, promossa dal Comune di Brescia e costituita da una serie di proposte culturali per trascorrere il periodo delle feste in città.

Domenica 2 dicembre, il pomeriggio sarà interamente dedicato al circo contemporaneo e alla musica con proposte tout public. Si parte alle ore 15.00 in Piazza Vescovado con Giulio Lanzafame (OnArts/Cordata F.O.R.), che farà sognare gli spettatori in “Tra le scatole”, con equilibrismo, clownerie e giocoleria; Nicola Bruni in “Circomico” li sorprenderà con le sue impressionanti capacità con la ruota di cyr (15.30, Corso Zanardelli); Francesca Zoccarato li porterà nel meraviglioso mondo delle marionette del suo “Varietà Prestige” (16.00, Corso Palestro); Mabo Band li accompagnerà con la musica “On the road” degna delle più comiche marching band (16.30, Piazzetta Pallata). Grazie alla collaborazione del Circuito CLAPS con Sapori&Dintorni CONAD – Quadriportico, la compagnia Circopacco presenterà “100% Paccottiglia” e la simpatia dei clown, giocolieri e acrobati Frank e Gustavo (17.00, Piazza Vittoria). Una chiusura di grande impatto comico: il Teatro Necessario spalancherà le porte alle risate, alla magia e alla musica di “Clown in libertà” alle 18.00 in Piazza Loggia.

Non manca la danza, con “Europa vecchia madre” presso lo Spazio Danzarte, domenica 9 dicembre alle 17.30. Theo Rawyler/compagnia Excursus presenta una performance internazionale nata da un progetto di danza di comunità: un gruppo di donne di 84 anni, testimoni di un conflitto mondiale, restituisce i propri ricordi con gli occhi di un’infanzia vissuta ai tempi della guerra. A seguire, Edoardo Baroni accompagnerà alla chitarra una performance di tessuti aerei di Centopercento Teatro. A chiudere la serata, un brindisi con aperitivo per tutti i presenti.

Mercoledì 12 dicembre al Teatro Santa Giulia alle ore 20.30, il festival ospita “Opera panica”, produzione del Teatro Franco Parenti: un testo divertente e al contempo assurdo sulla ricerca della felicità, con video live, colori, specchi e grafica. L’autore è il drammaturgo cileno Jodorowsky, la regia è affidata al giovane ma ormai di grande successo Fabio Cherstich.

Sabato 15 dicembre arriva in città la storica compagnia Manicomics, i cui componenti sono artisti del Cirque du soleil, con un titolo eloquente: “Kermesse – Concerto in Clown Maggiore”. Musica, clownerie e risate in uno spettacolo adatto a tutti, che andrà in scena alle ore 20.30 all’Auditorium Bettinzoli. Lo spettacolo sarà accompagnato dall’esibizione dei musicisti dell’ensemble Bazzini Consort.

A chiudere, sempre alle 20.30 al Bettinzoli ma sabato 22 dicembre, sarà “Tutti Frutti”: torna il circo contemporaneo della Compagnie LPM, composta da esilaranti performer di quattro diversi Paesi (Brasile, Germania, Spagna ed Ecuador) che si sono incontrati alla prestigiosa scuola di circo Le Lido di Tolosa. Il pubblico più attento potrà riconoscerli, in quanto sono già stati ospiti de La Strada Festival 2017 con un altro titolo, “Piti Peta Hoffen Show”.

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