Clemence Debaig è una performer, coreografa e tecnologa, fondatrice del collettivo Unwired Dance Theatre, con base a Londra. Dopo l’approfondimento al lavoro Discordance della compagnia consultabile nella sezione di Videodanza, abbiamo avuto il piacere di conversare con Clemence, per indagare le motivazioni alla base della sua ricerca artistico-tecnologica. Di seguito le domande e risposte in inglese con sottostante traduzione e alla fine dell’intervista i link utili ai siti o alle performance citate.
Arrivando sulla landing page del tuo sito la prima cosa che si legge è: Coreografando interazioni. Sei una coreografa e un’ esperta in UX (user experience), che ruolo ha il pubblico nelle performance che progetti?
Dipende dalla performance e dai temi che vogliamo esplorare… di solito mi piace arrendermi un po’ a ciò che farebbe il pubblico. Un buon esempio è uno spettacolo che stiamo ancora portando in tournée, Strings, per cui ho ideato una serie di wearable connessi ai telefoni degli spettatori che quindi sono in grado di manipolare il mio corpo a distanza. Sono i loro impulsi a creare il movimento e rivelare il resto della storia, quindi senza un pubblico questo pezzo non esisterebbe! Nasce dall’idea del sottile confine tra collaborazione e controllo: qual è il ruolo del pubblico e quello del performer? Qual è il ruolo del corpo e chi ha il potere su di esso? Discordance invece ha un approccio più da teatro immersivo, lo spettatore è parte della scena, è nello spazio VR con noi e può anche interagire con gli altri membri del pubblico.
Ci sono momenti in cui è libero di andare in giro, scegliendo se stare vicino al performer o meno… abbiamo visto spettatori volersi unire e far parte del movimento! Ma ci sono dei momenti in cui ha delle task specifiche da portare a termine. Per esempio, la seconda scena è incentrata sul modo in cui la società ci limita e gli spettatori partecipanti devono copiare i movimenti delle macchine che li circondano, o ancora verso la fine della performance devono rianimarmi avvicinandosi e toccando il mio corpo e solo grazie alla loro presenza sono in grado di arrivare ad una conclusione. Mi piace giocare con tutte queste possibilità di coinvolgere il pubblico, il ruolo che questo ha e come si inserisce nella storia, lo trovo molto entusiasmante.
Una delle tue performance in particolare, BOTHER, è descritta come “(…) un esperimento sociale, che esplora come il pubblico potrebbe reagire quando gli viene dato il potere di controllare il danzatore. Si comporterà in modo empatico, permettendo al danzatore di essere libero e felice? Oppure agiranno in modo più sadico, generando reazioni violente? Si preoccuperanno più della persona che hanno di fronte o del divertimento che traggono dalla performance?”. Raccontaci il feedback del pubblico, cosa hai raccolto da questa esperienza? Qual è la tendenza nell’ atteggiamento che emerge? Il pubblico degli anni ’20 ama avere il controllo di uno spettacolo?
Una delle tendenze più diffuse che ho notato è questo momento di realizzazione, da “Oh, questa è una performer e posso cliccare su questi pulsanti per farle fare qualcosa” all’improvviso “Aspetta un attimo, ho il potere di infliggere gioia o dolore alla performer di fronte a me!” e, sì, è un gioco, ma in realtà sta toccando argomenti molto seri. C’è sempre il momento in cui il pubblico si rende conto di non essere pronto a quel livello di coinvolgimento emotivo con l’opera. Ho visto che ci sono atteggiamenti diversi verso questo tipo di interazione, a seconda di quanto le persone si sentano a proprio agio con la tecnologia. Ho notato che i gamer, per esempio, vogliono spingerla ai suoi limiti e non sembrano preoccuparsi più di tanto del performer che hanno di fronte, capiscono le meccaniche di gioco e sono felici di esplorarle.
Mentre ci sono persone meno esperte che si concentrano subito sull’aspetto umano e si sentono molto a disagio. Un’altra cosa che ho amato di questo pezzo è che diventa un’esperienza di gruppo: l’installazione ha due set di pulsanti e le persone iniziano a discutere, soprattutto tra amici, su quale sia lo stato emotivo in cui mettere il performer, così alcune persone che cliccano molte volte sul pulsante blu (che va verso la gioia) venivano fermate al grido di “No! È stanca, lasciala riposare!”.
Un tema ricorrente nel tuo lavoro è la distanza, l’isolamento del performer contrapposto al calore che può portare un pubblico lontano. Che puoi dirci a riguardo?
Ci sono tante cose da dire a riguardo, fammi pensare! Molto del mio lavoro riguarda l’uso della tecnologia per generare empatia, esplorando il modo in cui può unirci o allontanarci, portando un pensiero più critico su come la utilizziamo oggi. Mi piace creare quel confine invisibile che è la tecnologia, ma è il tipo di interazione che avremo che ci avvicinerà. Anche la pandemia ha avuto un grande impatto sul mio lavoro, le cose che stavo esplorando erano rilevanti anche a distanza, alla fine non importava che il performer fosse nella stessa stanza insieme al pubblico. L’ultima cosa che vorrei menzionare è che sono francese e vivo all’estero, nel Regno Unito, quindi ho sempre avuto legami a distanza, con i miei amici e la mia famiglia… Penso che questo abbia avuto un impatto anche sulla mia vita, il fatto che io cerchi di mantenere un certo livello di intimità è profondamente radicato in ciò che sono come persona.
Performance ibride, approfondiamo questo concetto. Mi piacerebbe ce ne dessi una definizione e ci dicessi se pensi sia la naturale evoluzione delle performance dal vivo.
Sì, credo che sarà il futuro della performance dal vivo. Lo definirei come consentire al pubblico di fare esperienza della performance attraverso diversi media. La visione di base che in questo momento abbiamo a riguardo è che ci sia qualcosa che accade in una location e al contempo in diretta streaming online, ma credo che si possa andare molto molto oltre, ci sono altri media e altri tipi di esperienza che possono essere esplorati. Penso che dovremmo lavorare verso l’ideazione di queste diverse esperienze piuttosto che avere dei ripensamenti… Come portiamo un pubblico da remoto all’interno della performance, come farlo sentire presente e come possiamo creare un senso di compresenza tra un pubblico in prossimità e uno da remoto? Possiamo fare molto con la realtà virtuale ma siamo solo all’inizio.
Credo che l’ostacolo maggiore al momento sia il dover creare più performance in una, equivale a duplicare il lavoro! C’è anche bisogno di diverse competenze quindi i teatri sono cauti nel portare questo tipo di performance nelle loro sedi… e come artisti indipendenti non possiamo finanziarle del tutto. Più tecnologia significa più rischi e questo campo sta scoprendo sé stesso in questo momento, non c’è ancora molta esperienza a riguardo. Oltre a questo poi, non si tratta solo di gestire e ideare la performance, c’è anche la questione del marketing, come vendere diverse fasce di biglietti, come spiegare al pubblico il modo in cui faranno esperienza della performance… tutto questo è molto complesso ed essendo una UX Designer posso apprezzarlo!
Parliamo di danza. Trovo particolarmente interessante Body Shape Generator. Qual è la direzione della tua ricerca sul movimento, attualmente? È legata alla nozione di corpo digitale? Trovi nella tecnologia il tipo di stimoli che cerchi come danzatrice?
Il modo in cui mi approccio al movimento in questo momento con Unwired è molto al servizio della storia che raccontiamo, abbiamo un forte approccio narrativo con il lavoro. Questo mi aiuta a mettere in moto le cose, anche in pezzi come Strings, dove è tutto improvvisato, ho una struttura precisa, so quale vocabolario di movimento e quale texture voglio usare in ciascuna sezione e mi baso sul punto in cui ci troviamo nella musica per passare da una all’altra. Detto ciò, negli ultimi tre anni ho lavorato molto come solista… non per scelta ma per necessità. La pandemia ha avuto un impatto importante in questo. Mi ero lasciata un po’ alle spalle il ruolo da performer per concentrarmi come coreografa, regista e tecnologa, ma poi è arrivata la pandemia e mi sono detta “Ho un corpo! Lo userò per farci qualcosa!”.
Anche prima di Unwired lavoravo a coreografie per cast più grandi… ora non me lo posso permettere, quindi ho finito per lavorare con me stessa. Ad esempio, l’idea originale per Strings era quella di lavorare con 3 danzatori, coordinando l’ensemble dei corpi, ma alla fine ci sono solo io a dirigermi da sola online, quindi un approccio veramente diverso! Direi che prima della pandemia ero un po’ più interessata a come la tecnologia ci potesse aiutare a generare movimento in un certo modo, adesso più all’aspetto dello storytelling. Lavorare con la realtà virtuale aggiunge un strato in più alla creazione di corpi e alla loro rappresentazione.
Abbiamo lavorato molto sul tipo di rappresentazione virtuale che vogliamo dare al corpo, se debba essere un avatar, e se sì che forma dargli. Al contempo, sto anche insegnando e ricercando alla Goldsmiths University e uno dei miei moduli si chiama tecniche di motion capture e digital embodiment, quindi quello che insegno ai miei studenti è proprio guardare il corpo in movimento! Non sono dei danzatori ma sto portando la mia pratica di danza nel modo in cui concepiscono il corpo in movimento e la normatività della tecnologia. Durante l’estate sono stata al Choreographing Coding Lab e ho sperimentato un po’ con il machine learning. Non sono per niente un’esperta ma abbiamo cominciato a inserire alcuni set di dati mocap in un modello, per vedere se potesse generare una coreografia… diciamo che questo tipo di tecnologia non esiste… ancora!
English Version
Landing on your website, you first notice the phrase: Choreographing interactions. You are a choreographer and a UX expert, so what role does the audience have during the performances you design?
It depends on the performances and themes we’re trying to explore… I usually like to surrender a little bit to what the audience would do. One good example of that is a piece we’re still touring, Strings, where I have designed a series of wearables that are connected to the audience’s phones so they are able to manipulate my body from a distance. That input is what is going to create movement and uncover the rest of the story, so without an audience, this piece doesn’t exist! It’s made from this idea of a fine line between collaboration and control: what’s the place of the audience and the performer? What is the place for the body and who has an agency over it? Discordance on the other hand has more of an immersive theatre approach, where the audience is part of the scene, it is in the VR environment with us, interacting with the other audience members in VR as well.
There are moments where they’re just free to go around, choosing whether to be closer or not to the performer… we’ve seen audience members actually wanting to join in and be part of the movement! But there are also moments when they have really specific tasks to achieve. The second scene, for example, is all about how society is restraining us and the audience has to copy the movements the machines surrounding them are doing, or again towards the end of the performance they have to reanimate me by approaching and touching my body and due to their presence I am able to come to conclusion. So I like to play with all of these possibilities on how you bring the audience in, what role they have to play and how that fits into the story, I find it really exciting.
One of your performances in particular, BOTHER, is described as “(…) a social experiment, exploring how the audience will react when given the power to control the dancer. Will they behave empathetically, allowing the dancer to be free and happy? Or will they act in a more sadistic way, generating violent reactions? Will they care more about the person in front of them or the entertainment they get from the performance?”. Tell us about the audience feedback, what have you recollected from this experience? What is the attitudinal pattern that emerges? Does the audience of the 20s like to be in control of a performance?
A: What I have identified as a pattern is mainly this moment of realization, from “Oh this is a performer and I can click on these buttons to make her do something” to suddenly “Wait a minute, I have the power to inflict joy or pain to the performer in front of me!” and, yes, it is gamified but, it is actually tapping onto very serious topics. There’s always the moment of realization when the audience feels like they weren’t ready for that level of emotional engagement with the piece. I can see there are different attitudes towards this type of interaction depending on how comfortable people are with technology.
I noticed that gamers, for example, want to push the limits of it and they really don’t appear to care as much for the performer in front of them, they understand the gamified mechanics and they’re quite happy to just explore that, while you might have people who are less tech-savvy that are gonna focus on the human instantly, and feel very uncomfortable. What I also loved about this piece is that it becomes a group experience: I have two sets of buttons in the installation, and you can see that people start arguing, especially friends, about which state to put the performer in, so some people clicking many times on the blue button (that goes towards joy) are being stopped by saying “No! They’re tired, give them a break!”
A recurring theme in your work is distance, the isolation of the performer as opposed to the warmth that a distant audience can bring. What about it?
There are a few things about it, let me uncover that! A lot of my work is about using technology to generate empathy and what I find interesting about tech is exploring how it can help bring us together or take us apart, bringing some more critical thinking around how we use technology today. I like to create that invisible boundary that is the tech but is the type of interaction we’re gonna have that will bring us closer.
The pandemic has also had a big impact on my work, and the things I was exploring were just really relevant to do remotely as well, at the end of the day it didn’t matter that the performer was in the same room as the audience. The last thing I would mention is that I am french and live abroad in the UK so I always had these connections with my friends and family that are remote… I think this is impacting my life as well, the fact that I’m trying to keep that level of intimacy with friends and family is deeply rooted in who I am as a person.
Hybrid performances, let’s delve into this concept. I’d like you to give us a definition of it and tell us if you think it is the natural evolution of live performance.
I think it should be the future of live performance, yes. I would define it as enabling audiences to experience the work through different media. The basic view we have of it at the moment is that we have something happening in a venue and there’s a live stream of it online, but I believe this can go much much further, there are other media and other types of experiences that can be explored. I think we need to work towards designing those different experiences rather than having an afterthought… How do we bring remote audiences into the work, how do you make them feel present and how do we get a sense of presence between in-person and remote audiences? There’s a lot we can do with VR but we are just at the premise of it.
I think the main blocker at the moment is that you have to create several performances in one, it’s like duplicating the work! You also need different skill sets so theatres are a little bit cautious in terms of bringing this into venues… and as independent artists, we can’t fund all of that. More tech means more risks and the field is discovering itself at the moment, there’s no big knowledge yet. On top of that, it’s not just about running and designing the performance, there’s also a really big question about marketing, how to sell different tiers of tickets, how to explain to audiences how they’re gonna experience the work… all of that is actually really complex and being a UX Designer I can appreciate it!
Let’s talk dance. I find Body Shape Generator particularly interesting. What is the direction of your research of movement, currently? Is it linked to the notion of the digital body? Do you find in technology the kind of stimuli you’re searching for as a dancer?
The way I’m approaching movement at the moment with Unwired is very much at the service of the story we’re telling, we have a really strong storytelling kind of approach with the work. That helps me put things in motion, even in pieces like Strings, where everything is improvised, I have some clear structure, I know what movement vocabulary and texture I want to use in each of the sections and I rely on where we are in the music to switch from one to another. That being said, I have done a lot of solo work in the last 3 years… not by choice but by necessity. The pandemic has had a big impact on that. I was leaving the performer role a bit behind me, focusing on being a choreographer and director and technologist, but then the pandemic hit and I was like “I got a body! I’m gonna do something with it!”. Even before creating Unwired, I was choreographing for bigger casts… right now I can’t afford it, so I ended up working with myself.
The original idea for Strings was working with 3 dancers, for example, coordinating the ensemble of bodies, but then it ended up being just me directing myself online, so a really different approach! I’d say that pre-pandemic I was a little bit more interested in how technologies would help us generate movement in a certain way, but it has evolved more into the storytelling aspect of it. Working with VR adds another layer of making up bodies and their representation. We’ve been working a lot on what visual representation we want to give to the body, whether it is an avatar, and if it is what shape we wanna give it. In parallel, I’m also lecturing and researching at Goldsmiths University and one of my modules is called motion capture techniques and digital embodiment, so looking at the body in movement is pretty much what I teach my students about! They’re not dancers but I’m bringing my dance practice into the way they understand the body in movement and the normativity of the tech. Over the summer I went to the Choreographing Coding Lab, experimenting a little bit with machine learning. I’m not a machine learning expert at all, but we started plugging some mocap data sets into a model, trying to see if we could generate choreography… let’s say the tech is not there… yet!
Trailer di Strings
Trailer di Bother
Nasce in provincia di Siracusa nel 2000 e affianca la maturità classica allo studio in ambito performativo frequentando l’Istituto Nazionale del Dramma Antico di Siracusa e la Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano, dove ad oggi frequenta il corso Danzatore e persegue uno studio personale circa la storia della performance digitale e le sue future declinazioni. Il suo primo studio coreografico Else_or the january blues debutta a giugno 2021 in occasione del Festival Dominio Pubblico – La città agli Under 25 negli ambienti di Spazio Rossellini a Roma.
