Il Teatro di Napoli indice la seconda edizione del Premio Leo de Berardinis per compagnie Under 35

Il Teatro di Napoli indice la seconda edizione del Premio Leo de Berardinis per compagnie Under 35

Intitolato all’attore, autore e regista cilentano scomparso nel 2008, maestro autorevole e protagonista indiscusso della nuova scena italiana a partire dagli anni ’70 del secolo scorso, il Teatro di Napoli-Teatro Nazionale indice la seconda edizione del Premio Leo de Berardinis Under 35, destinato ad artisti e compagnie di Napoli e del territorio regionale, a conferma dell’attenzione e dell’impegno crescenti verso i giovani artisti e le nuove realtà del panorama contemporaneo.

Il Bando prevede un contributo economico ed il tutoraggio produttivo per due progetti selezionati dalla giuria di esperti composta da Roberto AndòViola Ardone, Mimmo BassoMaurizio BraucciIppolita di MajoDavide Iodice.

I due progetti vincitori saranno messi in scena e programmati al Ridotto del Mercadante nella Stagione successiva, e uno dei due verrà distribuito nei teatri del circuito regionale gestito dal Teatro Pubblico Campano, secondo quanto stabilito dal Protocollo d’intesa siglato nel 2021 tra il Teatro di Napoli e il Teatro Pubblico Campano. Il protocollo impegna altresì il Teatro di Napoli a produrre uno dei testi vincitori del Premio Nuove Sensibilità 2022 promosso dal Teatro Pubblico Campano, liberamente scelto dal direttore del Teatro di Napoli, così come liberamente è scelto dal direttore del Teatro Pubblico Campano quello da far circuitare in Regione.

Entrambi i premi – che il Protocollo tra i due enti rafforza reciprocamente – guardano a proposte e a testi fortemente orientati alle forme, ai linguaggi e ai temi della contemporaneità.

Tra novembre e dicembre prossimi al Ridotto del Mercadante, come previsto dal Bando, andranno in scena i tre progetti vincitori della prima edizione del Premio, ovvero OCCIDENTE di Dario Postiglione con la regia di Giuseppe Maria Martino (dal 10 al 14 novembre); OPERA DIDASCALICA, testo e regia di Alessandro Paschitto (dal 24 al 29 novembre); CAINI, drammaturgia e regia di Mario De Masi (dal 15 al 19 dicembre).

Per partecipare alle selezioni del Premio Leo de Berardinis Under 35 del 2022, il cui bando sarà disponibile sul sito del Teatro di Napoli www.teatrodinapoli dal 15 ottobre, la domanda deve essere inviata entro e non oltre il 12 novembre 2021 all’indirizzo di posta elettronica bandounder35@teatrodinapoli.it.

CirkAround, bando per il circo contemporaneo rivolto ad under 35

CirkAround, bando per il circo contemporaneo rivolto ad under 35

CirkAround

Per il terzo anno consecutivo il progetto CirkAround è stato selezionato dal Ministero della Cultura  nell’ambito del Bando Boarding Pass Plus che ha l’obiettivo di sviluppare l’internazionalizzazione  delle carriere di giovani artisti e organizzatori under 35.  
L’obiettivo di CirkAround è offrire esperienze, formazione, incontri, contatti e suggestioni utili a  orientare in una direzione sempre più internazionale 10 giovani artisti e organizzatori under 35,  membri di compagnie di circo contemporaneo italiane. Sarà possibile selezionare un massimo di 2  artisti e/o organizzatori per ciascuna compagnia. 
CirkAround si articola in 4 sezioni che impegneranno i partecipanti da settembre 2021 a settembre  2022

CirkAround MASTERCLASS con 3 percorsi formativi, approfondimenti sul panorama italiano,  europeo ed extra-europeo e partecipazione a 2 convegni; 
CirkAround ACTION con 3 workshop presso i partner internazionali e la partecipazione ad  alcuni festival di circo contemporaneo europei; 
CirkAround EXPERIENCE con la possibilità di visitare alcune prestigiose strutture catalane di  circo contemporaneo (in collaborazione con l’Institut Ramon Llull) e svolgere degli stage  presso i partner italiani; 
CirkAround FEEDBACK con una restituzione sul percorso svolto e un momento performativo  site specific nell’ambito del Festival Tendenza Clown 2022.

PROMOTORI E PARTNER INTERNAZIONALI 

CirkAround è un progetto di Circuito CLAPS e Fondazione Teatro Comunale Città di Vicenza,  Industria Scenica, Festival Tutti Matti per Colorno, Compagnia Artemakia. Ai promotori italiani si aggiungono i seguenti partner internazionali: André Casaca (Brasile), CINARS (Canada), Circostrada (Francia), Daki Ling (Francia), Institut Ramon Llull (Spagna), La Baldufa (Spagna), La Villette (Francia), Move to Circus Academy (Israele), Teatr Brama (Polonia). 

I DESTINATARI  

CirkAround seleziona un numero massimo di 10 artisti e organizzatori under 35, membri di  compagnie di circo contemporaneo attive in Italia da almeno 2 anni. Sarà possibile selezionare un  massimo di 2 artisti e/o organizzatori per ciascuna compagnia. È richiesta determinazione a lavorare nel settore, capacità progettuale nell’orientamento della  propria carriera professionale ed esperienza minima di almeno due anni.  

CONDIZIONI DI PARTECIPAZIONE 

– I candidati devono possedere una discreta conoscenza della lingua inglese;
– i candidati si devono impegnare a seguire tutte le tappe del progetto CirkAround e coloro  che verranno selezionati dovranno sottoscrivere un contratto di impegno a partecipare  all’intero percorso nelle date previste e indicate a calendario; 
– per le azioni programmate in Italia l’organizzazione coprirà le spese di alloggio, ad eccezione dei periodi di stage che includeranno anche le spese di vitto; 
– per le azioni programmate all’estero l’organizzazione coprirà le spese di viaggio e di alloggio;
– i partecipanti selezionati si impegnano a essere fotografati, ripresi, registrati e intervistati  durante le diverse tappe del progetto, senza richiedere alcun compenso o diritto d’immagine all’organizzazione che è libera di utilizzare detti materiali a fini di documentazione e  comunicazione a mezzo stampa e social media; 
– ai sensi della legge di cui all’art. 13, Regolamento Europeo 2016/679/UE, i candidati  acconsentono al trattamento dei propri dati personali;
– i candidati devono fornire autocertificazione in cui dichiarano di non aver riportato  condanne penali e non avere procedimenti penali pendenti;  
– l’organizzazione garantirà il rispetto delle disposizioni anti Covid vigenti e si riserva la  possibilità di modificare alcune azioni del progetto in base alla situazione epidemiologica. 

PRESENTAZIONE DELLA PROPRIA CANDIDATURA E MODALITÀ DI SELEZIONE Le candidature dovranno pervenire a Circuito CLAPS entro e non oltre le ore 24.00 del 17 giugno  2021.  

Gli interessati dovranno inviare una mail specificando nell’oggetto CANDIDATURA BANDO  CirkAround, all’indirizzo e-mail: segreteria@claps.lombardia.it e allegando:
1) il proprio curriculum professionale in italiano e in inglese (in cui va indicato il grado di  conoscenza della lingua inglese); 
2) la presentazione della propria compagnia con link a video integrali e trailer degli spettacoli,  se disponibili; 
3) una lettera motivazionale in cui va esplicitato l’impegno a seguire tutte le tappe del progetto ed evidenziati i propri obiettivi di sviluppo professionale in una prospettiva internazionale. Le candidature formalmente incomplete non verranno esaminate.  

La selezione avverrà a insindacabile decisione della giuria.  La commissione esaminatrice, costituita dai promotori italiani del progetto, si impegna a selezionare  una rosa di candidati entro il 25 giugno 2021 che verranno convocati per sostenere un colloquio  conoscitivo in presenza (salvo indicazioni contrarie) tra il 5 e il 7 luglio 2021 a Brescia, presso la sede  del Circuito CLAPS. 
A seguito dei colloqui verranno individuati i 10 partecipanti alla 3° edizione di CirkAround che  verranno comunicati entro il 10 luglio 2021. Tutti coloro che non verranno selezionati avranno tuttavia l’opportunità, se lo desiderano, di  prender parte alla sezione Masterclass.

LE TAPPE DETTAGLIATE DI CIRKAROUND  

CirkAround MASTERCLASS: 

MASTERCLASS INTERNAZIONALE 

24 e 25 settembre 2021 a Milano – nell’ambito del Festival Internazionale Tendenza Clown 

Partecipazione al percorso di formazione con i seguenti docenti internazionali: Raffaella Benanti, consulente artistico e project manager La Villette (Francia), Stéphane-Segreto Aguilar, coordinatore di Circostrada (Francia), 

Teresa Carranza, coordinatrice settore spettacolo Institut Ramon Llull (Spagna). Partecipazione ai 2 convegni con focus su “musica di scena” e “rapporto tra comico e clown”. 

MASTERCLASS NAZIONALE 

Novembre 2021 a Vicenza – presso il Teatro Comunale della Città 

Partecipazione al percorso di management sui temi della comunicazione, amministrazione,  bandi e forme di finanziamento, residenze e centri di produzione, network e festival italiani  e stranieri con i membri del partenariato italiano. Si aggiunge quest’anno un focus di  approfondimento artistico sulla figura del clown contemporaneo condotto da “La Classe del  Clown” – gruppo permanente di clown professionisti guidato da Mario Gumina, con la  consulenza di Maria Vittoria Vittori

FINESTRA EXTRA-EUROPEA 

Aprile-maggio 2022 – in modalità online e in presenza a Brescia presso la sede del Circuito CLAPS

CirkAround incontra alcuni professionisti attivi in aree geografiche extra-europee e spazia  dalla partecipazione online a CINARS, una delle più prestigiose piattaforme artistiche  mondiali organizzata in Canada, a un incontro online con Shahar Kamay, codirettore di Move  to Circus Academy attiva in Israele e interessante esempio di circo nel sociale, a un percorso  in presenza con il maestro brasiliano André Casaca. 

CirkAround ACTION:  

Maggio-settembre 2022  nuovo step di CirkAround, offre la possibilità di svolgere workshop presso i partner  internazionali e i loro festival, in modo da seguire anche gli spettacoli in programma, le  iniziative collaterali e poter sviluppare al meglio relazioni con gli operatori presenti.  Il percorso prevede 3 workshop: 
L’arte del clown secondo i grandi maestri, presso Daki Ling (Marsiglia/Francia) – maggio  2022; 
Creare uno spettacolo di clownerie, presso La Baldufa, festival Estebayola’t (Llejda e Valls  d’Àneu/Spagna) – luglio 2022;
In dialogo con il sociale, presso Teatr Brama, festival Bramat (Goleniow/Polonia) – agosto/settembre 2022. 

CirkAround EXPERIENCE:  

Aprile-settembre 2022 Questa sezione promuove la conoscenza del funzionamento organizzativo di alcune strutture  internazionali e nazionali, proponendo 2 momenti particolarmente efficaci:

1. una “visita guidata” in Catalogna a cura dell’Institut Ramon Llull alla scoperta di alcune  realtà produttive di circo contemporaneo di grande valore come ad esempio Central de  Circ, Roca Umbert, Festival Trapezi, El Graner
2. un’attività di stage presso uno dei partner italiani: Circuito CLAPS, Fondazione Teatro  Comunale Città di Vicenza, Industria Scenica, Festival Tutti Matti per ColornoCompagnia Artemakia. 

CirkAround FEEDBACK:  

Settembre 2022 sono previsti una restituzione sul percorso svolto e un momento performativo site specific  nell’ambito del festival Tendenza Clown. Quest’ultima azione traduce in termini operativi la  ricaduta che i workshop e le esperienze internazionali hanno avuto nel percorso dei  partecipanti e rappresenta un banco di prova per la mise en espace di nuovi linguaggi,  competenze e abilità. 


Cultura e lavoro: un nuovo provvedimento per lo spettacolo dal vivo

lavoro

“Le vicende di questi mesi hanno permesso di censire, come non era mai avvenuto prima, tutto quell’arcipelago complicato di professionalità e di contratti di lavoro intermittenti, precari e non garantiti per i lavoratori dello spettacolo dal vivo. Per la prima volta, attraverso l’erogazione delle misure di emergenza, abbiamo un censimento chiaro di questo mondo, anche grazie all’indagine conoscitiva che ha completato la VII Commissione della Camera: un documento importante che si integra con le numerose proposte di legge sull’argomento già depositate nei due rami del Parlamento”. 

Lo ha detto il ministro della Cultura Dario Franceschini intervenendo al question time a Montecitorio, in risposta ad un’interrogazione di Alessandra Carbonaro, deputata del M5S. 

“Grazie a questi documenti il ministero della Cultura e il ministero del Lavoro stanno lavorando a un provvedimento che il più in fretta possibile intervenga su tutte le anomalie e le carenze dal punto di vista del trattamento previdenziale, delle coperture assicurative, delle anomalie dei contratti di lavoro per il settore dello spettacolo dal vivo. Come i requisiti all’accesso pensionistico, che spesso sono troppo stringenti, le indennità di maternità e paternità, quelle di malattia. Anche in ragione della natura discontinua di questi lavori, vogliamo prevedere, sulla base dell’esperienza francese, una forma di sostegno per i momenti in cui non si lavora e un bonus contributivo per il 2020-21, i due anni in cui non è stato possibile versare i contributi sufficienti per maturare la copertura pensionistica. Stiamo lavorando perché si possa inserire questo documento nel primo intervento legislativo utile al vaglio del Parlamento”, ha concluso il Ministro.

Concedere tempo. La residenza artistica targata Settimo Cielo

Concedere tempo. La residenza artistica targata Settimo Cielo

Settimo Cielo
Gloria Sapio e Maurizio Repetto

In un’epoca in cui il fuggevole incedere della vita fa scivolare il quotidiano in una danza di ritmi battenti, concedere del tempo è un atto generoso. Al Teatro La Fenice di Arsoli, la dilatazione temporale è tutta dedicata agli artisti. Gloria Sapio e Maurizio Repetto, direttori della residenza artistica Settimo Cielo, impegnati da più di vent’anni in progetti artistici, di produzione, programmazione e formazione in campo teatrale, stabilendosi nel cuore della Valle dell’Aniene, hanno decretato la propria mission: destinare energie e risorse alla ricerca e ai processi artistici.

Le numerose attività portate avanti da Settimo Cielo – che comprendono, oltre ai percorsi di residenza, laboratori, spettacoli e attività formative –hanno riunito una comunità di artisti e cittadini, riuscendo a tessere un forte legame con il territorio. Nata come associazione culturale, divenuta residenza artistica e dal 2018 parte, insieme a Twain Centro Produzione Danza, Ondadurto Teatro e Vera Stasi, del Centro di Residenza multidisciplinare del Lazio Periferie Artistiche, Settimo Cielo crede nella contaminazione generazionale, offrendo la propria esperienza ai giovani talenti della scena nazionale.

In tale direzione muove anche la costituzione dell’organico, di cui è entrato a far parte il drammaturgo e regista Giacomo Sette che in questa intervista, insieme a Gloria Sapio e Maurizio Repetto, racconta l’esperienza di Settimo Cielo.

Ragionando su una linea progettuale che parte dalla ricerca sulla storia del costume popolare e i mezzi di comunicazione di massa, per arrivare alla crescita dei luoghi attraverso le pratiche spettacolari, qual è stata l’evoluzione di Settimo Cielo dalla sua costituzione fino al 2015, quando il Teatro La Fenice di Arsoli è diventato una Residenza Artistica Nazionale?

Gloria Sapio: Settimo Cielo nasce da un desiderio di autonomia progettuale mio e di un gruppo artisti. Le proposte ruotavano intorno a un repertorio, un percorso drammaturgico e di ricerca portando avanti da me e Paola Sambo, con cui abbiamo a lungo formato un duo artistico. I nostri spettacoli erano profonde immersioni nella storia del costume, condotte anche attraverso il canto. 

Tutto aveva un profondo legame con la nostra condizione di donne, com’è stato per il nostro primo spettacolo, Un bacio a mezzanotte, costruito attraverso delle lunghissime sedute in emeroteca, con uno studio sulle riviste di fine anni ‘50 e ‘60. L’ultima residenza che abbiamo ospitato quest’anno è stata quella di Giulia Trippetta, con un progetto dal titolo La moglie perfetta che indaga, proprio attraverso gli stessi materiali da noi utilizzati, il problema del femminile. Questo è stato l’inizio di Settimo Cielo, percorso che ho condiviso con Paola Sambo per dieci anni. 

Ho sempre desiderato dedicare uno spazio alla nostra associazione e ciò è avvenuto quando si è presentata l’occasione di Officina Culturale, un progetto promosso dall’ex Assessore alla cultura della Regione Lazio, Giulia Rodano, rivolto a compagnie senza una sede che andavano a radicarsi in un luogo. Alessandro Berdini, direttore di Atcl Lazio, fu molto lungimirante e ci offrì la possibilità di portare avanti il nostro progetto nel territorio in cui ci troviamo oggi, che era già stato attraversato dal circuito. 

Nel frattempo, anche Maurizio Repetto era entrato a far parte dell’associazione come collaboratore e socio ed entrambi ci sentimmo molto stimolati da questa avventura. Anche prima di approdare in questi luoghi, come compagnia abbiamo sempre avuto la volontà di non fermarci allo spettacolo, aprendo ad attività collaterali. Quando siamo arrivati nel territorio della Valle dell’Aniene, abbiamo utilizzato questa peculiarità del gruppo moltiplicando le attività proposte sul territorio.

La fascinazione per il progetto proveniva dall’aver avvertito di poter avere una funzione. Al successivo progetto di Officina Culturale abbiamo stabilito la nostra sede in sette piccoli comuni della Valle dell’Aniene pur non avendo ancora un luogo fisico. Nel 2014, abbiamo iniziato a cercare un luogo che ci potesse accogliere, trovando una sponda nel Sindaco neoeletto di Arsoli, che ci ha affidato il Teatro La Fenice di Arsoli che era stato già oggetto di una ristrutturazione ma mancava di qualsiasi dotazione tecnica.

Atcl è stata da subito al nostro fianco per aiutarci a organizzare una programmazione. Da officina culturale siamo diventati quindi una Residenza Artistica e dal 2018 siamo parte di Periferie ArtisticheCentro di Residenza multidisciplinare del Lazio insieme ai partners TWAIN Centro Produzione Danza, Ondadurto Teatro e Vera Stasi.

Il radicamento nei luoghi che ospitano la residenza emerge dalle attività multidisciplinari che proponete, ed è, tra i vai obiettivi, finalizzato alla diffusione della cultura dello spettacolo dal vivo in zone decentrate. Qual è il vostro legame con il territorio e con la comunità e in quali azioni si sostanzia questa relazione?

Maurizio Repetto: Il territorio così come il teatro, la letteratura, la lingua è qualcosa di vivo che muta nel tempo. Da quando siamo giunti qui fino ad oggi sono cambiate tante cose, anche il nostro rapporto con il territorio si è modificato. Prima del nostro arrivo nella Valle dell’Aniene non c’era un teatro attivo che offrisse una proposta culturale organica di spettacolo dal vivo. 

Abbiamo fin da subito trovato una comunità molto disponibile e anche molto interessante, che ci ha dato modo di venire a contatto con un mondo rurale, che i più anziani amavano raccontarci e che mano a mano è andato dissolvendosi, ma da cui abbiamo tratto molta ispirazione. Non abbiamo aperto il nostro teatro qui proponendo la nostra idea di programmazione, abbiamo piuttosto coinvolto la comunità nella costruzione di spettacoli che parlavano di loro.

Ciò ha fatto sì che, intorno a Settimo Cielo, si creasse a sua volta una comunità di persone interessate sempre di più al discorso dello spettacolo, della costruzione della scrittura, della regia, della memoria. Questa nostra attività ha formato uno zoccolo duro di spettatori che poi si è riversato nel sistema del Teatro di Arsoli e per cui andare a teatro è diventata una consuetudine. 

Di questo, hanno beneficiato anche le residenze poichè queste persone che prendevano parte in maniera trasversale ai percorsi laboratoriali e alle proposte artistiche di Settimo Cielo hanno manifestato grande curiosità per il processo di creazione, potendo interloquire direttamente con gli artisti. Peraltro, fin da subito abbiamo proposto al nostro pubblico spettacoli di artisti di grande valore ma molto spesso sconosciuti al pubblico vasto, e devo dire che la nostra proposta ha vinto. Questo per dire che gli spettatori si abituano alla qualità se gli viene offerta. 

Rispetto al progetto di Residenza Artistica, La Fenice di Arsoli è un luogo che, fedele all’attività di scouting di giovani talenti, ospita e supporta il processo artistico di artisti e compagnie. Che valore ha, oggi, e ancor di più in un momento di affanno per il settore dello spettacolo, investire sulla ricerca?

Gloria Sapio: Crediamo molto nelle contaminazioni tra generi e linguaggi ma crediamo soprattutto nella contaminazione tra generazioni. Abbiamo aperto le nostre attività e le nostre progettualità anche agli under 30, incrementandone la presenza anche in virtù della partecipazione ai bandi. Questa operazione assume per noi un valore rilevante sia perché ci permette di conoscere giovani artisti e sostenerli, sia perché pensiamo che quando si incontrano più generazioni, senza prevaricazione da parte di chi ha maggior esperienza, possano prodursi dei risultati inaspettati.

Maurizio Repetto: L’esperienza del centro di residenza, che ovviamente ha ampliato le possibilità di accoglienza, ci ha anche consentito di specializzarci: eravamo soliti ospitare anche la danza contemporanea, pur non avendo uno spazio del tutto conforme tecnicamente alle necessità, ma che adattavamo in modo che i danzatori potessero usufruirne al meglio. 

Oggi, godendo del sostegno dei nostri partner, possiamo offrire agli artisti la residenza che meglio si confà alla tipologia di intervento artistico e, nel caso della danza ad esempio, Twain è il maggiore riferimento. Per quanto riguarda Settimo Cielo, oltre a portare avanti i generi teatrali e le ricerche artistiche che ci sono più vicine, lasciamo sempre aperto uno spiraglio, ospitando anche il teatro di figura, la musica, figurando quindi tra le poche residenze in Italia che consentono un percorso di ricerca multidisciplinare. 

Giacomo Sette: Sono entrato in contatto con Settimo Cielo attraverso una residenza durante la quale fui ospitato come dramaturg. La prima cosa che mi colpì fu la cura che Gloria e Maurizio dimostrarono di avere nei confronti del mio percorso artistico, mettendo a disposizione, anche da un punto di vista tecnico, tutto ciò di cui avessi bisogno. Dal 2018 il rapporto è diventato sempre più profondo. Venni richiamato per scrivere e dirigere un testo, via via me ne sono stati proposti altri, avviando il processo di inserimento nell’organico di Settimo Cielo.

Venivo trattato come drammaturgo e regista, quindi esattamente per ciò che volevo essere, una cosa che dovrebbe essere normale ma che non accade molto spesso. Solitamente si investe sui giovani convincendoli del fatto che il loro sia un percorso che, prevedendo una crescita, può comprendere delle battute d’arresto. Poi, al primo errore intercorso si tende a scartarli. Gloria e Maurizio, invece, hanno una visione molto più prospettica e questo mi ha davvero conquistato.

Il rapporto intergenerazionale è molto importante, soprattutto in un’età delicata come la mia, quella dei 30 anni, perché consente di confrontarsi con un mestiere, con una conoscenza completamente diversa dalla propria e con un’esperienza decisamente maggiore

Soffermandoci ancora sulle residenze, facendo un bilancio di questa prima triennalità che volge al termine, quali ulteriori azioni ritenete necessarie per lo sviluppo del comparto relativo alle residenze artistiche?

Gloria Sapio: Uno dei problemi principali è quello del consolidamento dell’esperienza progettuale, che corre sempre il rischio di essere parcellizzata. Quindi certamente è necessaria una maggiore garanzia di continuità.

Maurizio Repetto: Il secondo tema riguarda il garantire risorse economiche utili a portare avanti una residenza artistica che, oltre a un sostegno tecnico, assicura vitto, alloggio, tutoraggio e sostegno alla produzione. Il costo totale per ogni singola residenza diventa considerevole. Necessaria sarebbe inoltre un’azione del Ministero volta a inserire i giovani che affrontano il percorso di residenza nei circuiti di distribuzione, dando loro modo di mostrare gli esiti del proprio lavoro. Ad esempio, i teatri che sono predisposti a ospitare progetti relativi alla nuova drammaturgia, dovrebbero interloquire maggiormente con i centri di residenza.

Abbiamo aperto un dialogo con Romaeuropa Festival che ha inserito in programmazione Fabiana Iacozzilli che aveva precedentemente portato avanti una residenza artistica da noi con lo spettacolo La classe, arrivato addirittura a essere candidato al Premio Ubu. In conclusione direi che occorrono più risorse, un maggior coordinamento e una garanzia di solidità per i progetti.

Nel nostro sistema teatrale odierno (considerata o meno la pandemia), qual è secondo voi il ruolo di una residenza artistica e qual è, in tal senso, la vostra mission?

Gloria Sapio: La residenza artistica deve certamente impegnarsi in un’opera di scouting, dando sostegno agli artisti giovani senza però dimenticare gli over 35 che molto spesso, avendo meno possibilità, tendono all’abbandono della professione. Anche questo è un fenomeno che va assolutamente arginato. Fondamentale è poi il rapporto col territorio, che quasi sempre nel caso delle residenze è un territorio periferico che resta fuori dai circuiti ufficiali. 

Questo consente all’artista un incontro con un pubblico genuino, non costituito solo da addetti ai lavori, che riesce a restituire un feedback senza remore. Il bacino di pubblico che si è creato intorno a Settimo Cielo è una delle grandi fascinazioni che ha la nostra residenza, muovendosi su un doppio arricchimento: per gli artisti e per il territorio che cresce acculturandosi. 

Maurizio Repetto: Le residenze artistiche hanno anche la possibilità di dare grande valore al tempo. Avere individuato nelle zone periferiche, negli spazi extraurbani o nella provincia le sedi ideali per le residenze non è una scelta casuale: l’isolamento cui si sottopongono gli artisti è preziosissimo proprio perché riduce al minimo le distrazioni. Essere in una bolla temporale in cui potersi dedicare completamente alla creazione, al proprio progetto è veramente impagabile.

Giacomo Sette: Oggi più che mai c’è bisogno di un’esperienza del genere. In un momento storico come quello che stiamo vivendo, la mission di una residenza diventa anche quella di individuare artisti meritevoli e “salvarli”.  L’esperienza che Gloria e Maurizio mettono al servizio degli artisti, consente anche di creare un centro di ricerca veramente strutturato che permetta a molti talenti di non perdersi.

Si tratta di focalizzare delle forze artistiche che spesso non hanno le spalle abbastanza coperte per farcela e che invece possono nascondere dei tesori. Questa è una caratteristica molto esclusiva di Settimo Cielo e della residenza artistica del Teatro La Fenice di Arsoli, che va sostenuta stimolata, potenziata e perseguita. 

Piccoli comuni si raccontano: Intervista a Roberto Giuliani, Direttore del Conservatorio di “Santa Cecilia” ed Eleonora Pacetti, Direttrice di “Fabbrica” Young Artist Program

Piccoli comuni si raccontano: Intervista a Roberto Giuliani, Direttore del Conservatorio di “Santa Cecilia” ed Eleonora Pacetti, Direttrice di “Fabbrica” Young Artist Program

Piccoli comuni si raccontano

Nonostante la nuova battuta d’arresto per le attività culturali e artistiche, imposta dal DPCM firmato il 24 ottobre scorso, prosegue la narrazione di Piccoli comuni si raccontano, il progetto di Regione Lazio sviluppato in collaborazione con ATCL Lazio e Lazio Crea. In un momento di grande spaesamento per l’intero settore culturale, la proposta artistica di Piccoli comuni si raccontano, ha posto l’attenzione, oltre che sulla circolazione della cultura in territori spesso esclusi dai circuiti di distribuzione ufficiali, anche sulle possibilità lavorative offerte ai giovani talenti.

A partire da questa volontà, è stata rinnovata la partnership con il Conservatorio di musica “Santa Cecilia” di Roma, già istituita per la prima edizione di Piccoli comuni si raccontano, ed è stata indetta una nuova collaborazione con “Fabbrica” Young Artist Program, il progetto del Teatro dell’Opera di Roma, realizzato al fine di favorire la trasmissione di sapere e la promozione di nuovi talenti nel campo dell’opera lirica.

Molti sono stati, nel corso di questo primo mese di programmazione di Piccoli comuni si raccontano, i momenti dedicati all’arte musicale e all’opera lirica affidati a giovani studenti che hanno saputo incantare le platee dei borghi laziali coinvolti nel progetto. 

Del valore assunto da questa operazione culturale per i territori e per gli studenti e le studentesse che, con la loro arte, li hanno attraversati, abbiamo discusso con il M° Roberto Giuliani, Direttore del Conservatorio “Santa Cecilia” di Roma, e con Eleonora Pacetti, Direttrice di “Fabbrica” Young Artist Program, approfondendo la tematica della ripresa e della necessità di supporto economico e politico, espressa a gran voce dal settore dello spettacolo dal vivo.

Il Conservatorio di musica “Santa Cecilia” di Roma è una delle massime istituzioni musicali sul territorio nazionale e internazionale. Su quali principi si fonda l’offerta formativa del Conservatorio?

Roberto Giuliani: L’offerta del Conservatorio è volta a formare un musicista completo, sia dal punto di vista della ampiezza e lunghezza della carriera formativa, sia dal punto di vista della completezza della formazione.  I Conservatori – come le altre Istituzioni del settore AFAM – Alta Formazione Artistica e Musicale: Accademie di Belle Arti, Danza, Arte Drammatica ecc. – sono un settore parallelo a quello dell’Università, e risultano quindi articolati in Trienni accademici e in successivi Bienni accademici specialistici. Prima però, è possibile seguire i Corsi Propedeutici, perché gli studi strumentali nella maggior parte dei casi vanno coltivati molto prima della maggiore età, motivo per cui è previsto l’accesso in Conservatorio anche per i piccoli “talenti precoci”, oltre alle possibilità offerte dalle convenzioni che il Conservatorio ha attive con associazioni che si occupano degli allievi più giovani.

All’altro estremo, dopo il Biennio, è stata attivata in questi ultimi anni un’offerta di Master post diploma  in grado di fornire un’ulteriore competenza professionale: Master in Artistic Research in Music (in collaborazione con l’Orpheus Institut di Gent), Canto (in collaborazione con il Conservatorio Nazionale Centrale di Pechino), in Film scoring, Improvvisazione coreutica e musicale (in collaborazione con l’Accademia Nazionale di Danza), Interpretazione della musica contemporanea, Musica per Videogiochi.

Per quanto riguarda la completezza della formazione, oltre alla riscrittura aggiornata dei programmi di Triennio e Biennio, in Conservatorio sono stati attivati oltre 200 corsi e, tra le numerose discipline a disposizione, lo studente ne può scegliere diverse per completare il suo percorso e per seguire le sue inclinazioni e i suoi interessi, anche in prospettiva occupazionale.

Inoltre, l’attività di produzione del Conservatorio, costituita da numerose stagioni di concerti nei quali suonano perlopiù i migliori studenti e diplomati, consente loro di entrare presto in contatto con il pubblico e con gli apparati produttivi

Nonostante la vocazione internazionale, il Conservatorio di musica “Santa Cecilia” mantiene aperto il dialogo con il territorio che ne ospita la sede. Ne è esempio la partnership avviata con il progetto Piccoli comuni si raccontano di Regione Lazio, sviluppato in collaborazione con ATCL e Lazio Crea. Che valore ha la presenza dell’istituzione sul territorio laziale e qual è la mission di tale collaborazione?

RG: Il Conservatorio “Santa Cecilia” è punto di approdo, da tutto il mondo, di studenti attratti dall’eccellenza delle scuole di Canto e di Strumento. Attualmente abbiamo studenti provenienti da ben 34 diversi Paesi, tanto da connotarci come l’ONU della musica. Una situazione privilegiata, di particolare importanza anche per la conoscenza reciproca delle differenze: sostengo spesso infatti che un quartetto, un coro o un’orchestra sono dei laboratori preziosi di dialogo e di pace, dove solo se ci si conosce e ci si rispetta si riesce a lavorare insieme, valorizzando le peculiarità.

Global, glocal, local…ci piace lavorare in tutte le dimensioni della comunicazione musicale, e non dobbiamo poi dimenticare come parte dell’utenza sia naturalmente quella del bacino romano e laziale. Per questo, pur avendo nella nostra sede di via dei Greci una delle sale da concerto più belle del mondo, siamo presenti a Roma in diversi luoghi, secondo una mia idea di “occupazione musicale” della città

Abbiamo così, per esempio, dato vita a una stagione di concerti dei nostri migliori giovani presso il Teatro Off off di via Giulia (I concerti della domenica); abbiamo recentemente partecipato, grazie alla collaborazione con Videocittà, alle cerimonie per la riapertura del monumentale Giardino delle cascate all’EUR, con l’Ensemble di trombe e percussioni, che ha dedicato un concerto alla memoria di Ennio Morricone, nostro ex allievo e prezioso amico, e in questi giorni siamo presenti ogni sabato (tempo e covid permettendo) con i nostri ensemble a Villa Borghese all’interno della mostra di arte contemporanea Back to Nature

Non solo Roma però, anche il territorio laziale è per noi da tempo oggetto di interesse, tant’è che già da prima della collaborazione con ATCL era stato varato il progetto della creazione di tre orchestre giovanili (ad Albano, Fiuggi e Rieti) di cui quella di Albano, la GIOCR – Giovane Orchestra dei Castelli Romani, ha già avuto il suo primo battesimo di pubblico lo scorso anno.

La collaborazione con il progetto Piccoli Comuni, oltre a essere quindi per noi naturale, in un progetto di comunicazione e diffusione più ampio possibile, da una parte permette ai nostri ragazzi di suonare in luoghi dove è possibile una dimensione rara del contatto col pubblico, dall’altra offre al pubblico occasioni che difficilmente – se si dovessero perseguire logiche commerciali – potrebbero aver luogo.

Quindi è un’occasione preziosa per avvicinare alla musica persone che ne sono costantemente private, vista l’assenza capillare sul territorio di “presidi musicali”, di questa possibilità. Il contatto visivo con il musicista, la magia delle prove, non possono infatti essere surrogati dai mass media, che non consentono un’esperienza profonda e partecipata del fare e ascoltare musica dal vivo.

La seconda edizione di Piccoli comuni si raccontano pone l’attenzione sui giovani talenti e sulle possibilità professionali loro offerte. Quali sono le azioni messe in campo dal Conservatorio di “Santa Cecilia” per accompagnare e immettere i propri studenti e le proprie studentesse nel mondo del lavoro?

RG: Come detto in parte precedentemente, una prima azione è costituita dallo strutturare dei percorsi di studio che tengano conto sia delle innovazioni didattiche, sia delle evoluzioni delle discipline, sia di un ampio spettro formativo, anche in prospettiva lavorativa. Così il musicista acquista anche una duttilità che nel mondo delle nuove professioni è particolarmente richiesta: non formiamo infatti solo ottimi cantanti e strumentisti, destinati per esempio a una carriera solistica o a un’attività orchestrale, ma anche insegnanti (nel corso di Didattica della musica), musicologi (nel corso di Discipline della storia della critica e dell’analisi musicale), compositori di Musica per le immagini ecc.

Dell’attività concertistica si è già detto, ma a questo deve aggiungersi il grande potere formativo offerto dalle esperienze internazionali: oltre ad avere una nutrita attività di scambi Erasmus (dedicata a studenti incoming e outcoming, per la quale il Conservatorio ha siglato più di 100 Inter-Institutional Agreement con le maggiori istituzioni formative europee), “Santa Cecilia” ha vinto come capofila importanti progetti europei estremamente innovativi (come Opera out of Opera, News in MAP, Italian film sounding ecc.) che coinvolgono diversi partner; a questo si aggiungono le attività di progettazione con Russia, Panama, Cina, Giappone ecc.), che consentono anch’esse a docenti e studenti di viaggiare, suonare con i colleghi stranieri, e conoscere gli altri sistemi formativi.  

La crisi sanitaria ha fortemente indebolito la dimensione live dei progetti artistici, musicali e spettacolari intervenendo, oltre che sull’ambito lavorativo e performativo, anche su quello didattico. Su quali criteri si basa il nuovo assetto formativo del Conservatorio? A pochi mesi dalla ripresa, qual è il bilancio delle difficoltà riscontrate dal settore e quali interventi ritiene necessari per la ripartenza? 

RG: Gli impatti sono stati diversi. La parte didattica, non appena tecnicamente possibile, è stata portata on line durante il periodo del lock down, grazie al grande impegno e disponibilità degli studenti e dei docenti.  È chiaro che se la normale didattica scolare soffre della dimensione non in presenza, si può facilmente immaginare quanto sia innaturale e poco produttivo far lezione di canto o di strumento attraverso un computer.

Per questo appena è stato possibile siamo tornati, seppur con le limitazioni dovute all’applicazione ferrea delle procedure di sicurezza, a diplomare gli studenti in Sala Accademica e a far lezione in presenza, anche se già in questi giorni riemergono ombre che minacciano non tanto le lezioni collettive (già programmate on line per l’anno accademico 2020/2021), ma anche le lezioni singole. Per non parlare dei problemi posti dagli ensemble, soprattutto canori e di fiati, nonostante siano stati acquistati pannelli di plexiglass ecc.

Per quanto riguarda la parte di ricerca e di progettazione, soprattutto internazionale, questa è proseguita on line, ma continuano a essere cancellati importanti incontri, come quello dell’AEC a Vienna, o il Cultural Forum a San Pietroburgo. Per i concerti, ovviamente tutte le stagioni  programmate nel 2020 si sono fermate, e per il momento siamo riusciti a riprendere con i concerti all’aperto già menzionati, e per i concerti al chiuso in Sala Accademica sono stati confermati per ora solo quelli legati a impegni internazionali, come la serie Europa in Musica, organizzata con il Cluster EUNIC – EU National Institutes for Culture, o il concerto Suoni del Mediterraneo per la presentazione dell’iniziativa Resq – People saving People, con Médecins sans Frontières.

La ripartenza non sarà un problema, quando le condizioni sanitarie lo permetteranno, e intanto il Conservatorio affronta giornalmente i problemi derivanti dalla estrema variabilità e imprevedibilità dell’emergenza Covid. Quello che preoccupa, e continuerà a preoccupare anche dopo, è la situazione della cultura in Italia. Comprendo i problemi economici del Paese, ma questa emergenza si è andata ad aggiungere a un’antica situazione di disinteresse nei confronti non solo della musica, ma in generale della conservazione produzione e diffusione culturale, con atteggiamenti che oscillano dall’infastidito assistenzialismo, alla malsana idea che la cultura debba e possa autofinanziarsi.

Nei Paesi compiutamente civili questo non accade: lo Stato investe in cultura e in formazione perché questo crea un cittadino migliore, e tra l’altro potenzia anche un indotto turistico e commerciale. Provate a pensare di chiudere musei e teatri italiani, e vedrete quale inabissamento in numero e in qualità avrebbero i flussi turistici. Ma questo bisogna ogni volta rispiegarlo alla classe politica di turno, perché ormai manca questa sensibilità nella formazione degli italiani e gli effetti si vedono, purtroppo in tutti i settori, nel peggioramento dei comportamenti e del tessuto sociale.

La grande tradizione dell’opera lirica italiana è un valore che rende il nostro paese un importante approdo per studenti e studentesse provenienti da ogni parte del mondo. Dal 2016, anno della sua fondazione, “Fabbrica” Young Artist Program promuove i giovani talenti dell’opera lirica sostenendone la formazione. Quali sono i punti cardine del progetto?

Eleonora Pacetti: La possibilità di esibirsi in palcoscenico e l’esperienza di un training specifico per le audizioni e le performance sono i punti cardine di “Fabbrica” Young Artist Program. 

“Fabbrica” Young Artist Program, oltre a sostenere la formazione, prevede l’inserimento nell’ambito professionale con un percorso costruito ad hoc per ciascun partecipante di studio e lavoro presso il Teatro dell’Opera di Roma. Quali sono gli step previsti dal progetto per condurre i partecipanti alla professionalizzazione?

EP: Si parte dall’esperienza di andare in scena con ruoli piccoli e cover per poi interpretare ruoli più importanti. Inoltre gli artisti vengono presentati alle agenzie che saranno coloro che costruiranno la loro carriera un domani.

A partire da quest’anno il Teatro dell’Opera di Roma, attraverso “Fabbrica” Young Artist Program, figura tra i partner del progetto Piccoli Comuni si raccontano, una collaborazione, questa, che rappresenta un impegno, da parte delle istituzioni nel fornire ai giovani nuove occasioni per esplorare le possibilità lavorative offerte dal territorio laziale e per entrare in relazione con il pubblico. Quanto conta per “Fabbrica” Young Artist Program diffondere la tradizione dell’opera lirica italiana anche nei piccoli borghi del Lazio, attraverso il talento dei propri studenti?

EP: E’ davvero molto importante: il contatto con la “base” è una benzina che ci aiuta a mantenere vivo l’entusiasmo per il lavoro, come accaduto nel 2017 e nel 2018 quando abbiamo portato l’Opera nelle piazze di Roma e del Lazio (Amatrice, Accumoli, Leonessa, Cittareale, Borbona, Poggio Bustone, Frascati, Alatri) con il progetto Opera Camion, in cui sono stati coinvolti gli artisti di “Fabbrica” YAP (non solo cantanti, ma anche pianisti ed il gruppo regia) e il pubblico ha risposto con tanto entusiasmo.

Alcuni giorni fa l’ANFOLS ha diffuso un appello dei teatri d’opera per sostenere le riaperture, ponendo l’attenzione sull’insostenibilità delle future programmazioni a seguito delle misure restrittive sulle capienze delle platee. Di quali condizioni necessita il settore per avviare una ripartenza che, nonostante l’incertezza, sia in grado di consentire il prosieguo delle attività dei teatri d’opera e l’impiego dei suoi lavoratori e delle sue lavoratrici?

EP: Difficile dirlo in un momento come questo. A nuove situazioni non si possono incollare modelli vecchi: la creatività e l’immaginazione dovranno, ora più che mai, dare luce ad idee nuove.

Ok, Boomer. Al Teatro India l’Open day di Dominio Pubblico

Ok, Boomer. Al Teatro India l’Open day di Dominio Pubblico

Ok boomer

Ok, Boomer è il grido della Generazione Z contro i figli del Boom Economico. Non una chiusura al dialogo e al confronto ma una presa di posizione. Under 25 Ribellati! Vieni a Teatro con Dominio Pubblico.

Il progetto di formazione del pubblico e orientamento professionale Dominio Pubblico è di nuovo attivo ed è giunto alla sua ottava edizione. DOMINIO PUBBLICO è un’associazione culturale con base a Roma, che si occupa di creare strategie culturali e progetti di audience development e di cittadinanza attiva rivolta a ragazzi Under 25. L’Associazione nasce dal know-how e dalla collaborazione tra due realtà indipendenti e attive a Roma nella promozione delle arti contemporanee da più di trent’anni: il Teatro dell’Orologio e il Teatro Argot Studio. Il progetto è stato poi sostenuto dalle più importanti istituzioni del territorio quali il Mibact, Comune di Roma – Municipi di Roma – Regione Lazio – Circuito Regionale ATCL ed è anche promotore della nascita della rete RisoИanze! Network per la diffusione e tutela del Teatro Under 30. 

La rinnovata collaborazione con il Teatro di Roma – Teatro Nazionale ci permette di presentare l’offerta di un abbonamento ai principali spettacoli della stagione, adatto per studenti Under 25, anche se alcune date o titoli presenti nell’offerta potrebbero variare a causa dell’emergenza sanitaria Covid – 19 ancora in atto.  Al percorso di visione, guidato dall’organizzazione Dominio Pubblico ed altri esperti del settore, si aggiungono molte attività partecipate che daranno la possibilità ai ragazzi di avvicinarsi al mondo dello spettacolo e delle arti performative, venendo in contatto diretto con i protagonisti della nostra scena nazionale ed internazionale. 

Un unicum del progetto è sicuramente il Festival “Dominio Pubblico – La città agli Under 25” che si propone di essere il più significativo evento italiano focalizzato sulla creatività under 25 nell’ambito delle arti sceniche performative multidiscipinari attraverso un percorso formativo e inclusivo grazie al quale i ragazzi saranno in grado di curare ogni aspetto organizzativo, logistico, amministrativo, promozionale dell’evento.

Non meno importante è un’altra missione del progetto: far interagire i giovani partecipanti con i diversi territori urbani di riferimento. Il progetto MA®T è finalizzato appunto a produrre un’azione contemporanea di performance urbaneproduzione artistica urbana e un laboratorio sulle giovani generazioni attento alle tematiche della formazione e del lavoro comunitario.

Nel corso di 7 anni di attività, il progetto ha formato diverse generazioni di spettatori Under 25, alcuni di essi hanno continuato a essere attivi nel campo della creazione di eventi culturali. Oggi il progetto può contare su una comunità di oltre 700 ragazzi formatasi attraverso il processo di formazione e coinvolgimento attivo.

Giovedì 22 Ottobre alle ore 17:00, presso la Sala A del Teatro India si svolgerà l’OPEN DAY di presentazione del progetto presenziato dai responsabili del progetto e dai ragazzi che hanno preso parte al progetto nelle precedenti edizioni. Un’occasione per entrare da subito nel vivo di Dominio Pubblico e conoscerlo attraverso la voce di chi lo ha vissuto.

Nel rispetto del contenimento dell’emergenza sanitaria, è richiesta la presenza già dalle 16:30 per completare le procedure anti Covid-19. Inoltre, sarà possibile accedere all’evento soltanto previa registrazione accedendo a questo link: http://bit.ly/OpenDayDP

Dominio Pubblico – La città agli Under 25

Siamo alla ricerca di Under 25 che entrino a far parte della squadra. A questi giovani verrà data la possibilità di cimentarsi in un’operazione davvero stimolante e viva, entrando in contatto diretto con il terreno fertile e sempre incandescente dello spettacolo dal vivo e del management degli eventi culturali.