Il teatro emergente in scena a Strabismi. Tendenze, direzioni e ragioni di sistema

da Ornella Rosato | 26 Ott 2022 | Storytelling

Superando le logiche ministeriali, fuoriuscendo da criteri e valutazioni, tabelle e punteggi, cosa rende un festival meritevole di attenzione e di sostegno?
Forse il radicamento territoriale, l’elezione a riferimento esclusivo in luoghi le cui politiche culturali prevedono un’offerta di taglio mainstream, la capacità di riservare agli artisti e alle artiste condizioni di lavoro che non ne ledano la dignità, o ancora il consolidamento comunitario.

Ebbene, se la funzione sociale del teatro e della cultura può essere considerata un obiettivo perseguibile e non solo una chimera che si forgia della propria irraggiungibilità per deresponsabilizzare, realtà come Strabismi Festival andrebbero elette a strumento d’analisi per indagare l’incidenza di una manifestazione artistica sul funzionamento e, insieme, il ripensamento delle strutture sociali su cui riverbera.

A Cannara, piccolo borgo in provincia di Perugia che conta 4.180 abitanti, la determinazione del collettivo che opera in seno a Strabismi, in collaborazione con l’amministrazione locale, ha contribuito alla rivitalizzazione di spazi cittadini in disuso: un ostello con una capacità ospitale di circa 100 posti; un museo abbandonato a se stesso, oggi divenuto spazio dedicato a performance, presentazioni di libri e all’allestimento di mostre d’arte contemporanea (la prima Athazagorafobia dell’artista Mattia Ammirati visitabile fino alla fine del 2022); la ristrutturazione, in corso, del Teatro Ettore Thesorieri.

Azioni concrete, diffuse, simultanee che convergono in un’opera di rigenerazione capace di interessare i luoghi della cultura cittadina, oltre che la cittadinanza stessa, ben al di fuori dei confini temporali di un festival.
In un processo di crescita costante, Strabismi sta dimostrando di essere una realtà che si assume la responsabilità di definirsi identitariamente con una pratica di lavoro e una linea artistica che tengono insieme il piano quotidiano del vivere nel proprio tempo e nei propri luoghi, e quello extra quotidiano dell’arte.

Il 2022 segna l’ottavo anno di vita di Strabismi. Episodio VII – Una nuova speranza è il titolo dell’edizione che si è svolta dal 17 al 24 settembre e che sancisce l’avvio di una trilogia ispirata alle saghe cinematografiche.

Con Strabismi Festival una nuova speranza sembra davvero possibile, soprattutto se si guarda a due dati particolarmente interessanti che hanno a che fare con le scelte di direzione artistica: una preminenza di artisti e artiste giovani in cartellone e la moltiplicazione del punto di vista femminile. Non un manifesto programmatico ostentato, non una traccia tematica dichiarata, la sola dimostrazione che le soluzioni ai problemi di rappresentanza, e rappresentazione, esistono e sono facilmente attuabili.

I curatori di Strabismi Festival Alessandro Sesti e Silvio Impegnoso – coadiuvati da un ampio staff di professionisti e professioniste under 35 – hanno saputo tradurre di nuovo su un piano concreto l’esperienza maturata nella frequentazione, in qualità di artisti, del settore teatrale. Con ciò a dire che Strabismi è un festival pensato da artisti per artisti, che non tratta l’emergenza artistica come un tassello del mosaico qualitativo della propria offerta, ma come il centro catalizzatore di una proposta. L’idea è valorizzare quelle esperienze che, oltrepassando l’anagrafica, siano già in grado di mostrare una visione e una direzione scenica e politica degne di nota.

Di fatto, ogni anno il festival dedica parte delle proprie attività al lavoro di un artista o di una compagnia. È il caso di Silvia Torri e Rita Giacobazzi, fondatrici della compagnia Créature Ingrate, che hanno tenuto il laboratorio “(Non) Siamo oggetti” e portato in scena lo spettacolo Flirt.

La compagnia, operante tra Italia e Francia, conduce una ricerca sulla narrazione e sulla concezione del femminile nella società contemporanea, scegliendo come mezzo d’elezione il teatro d’oggetti. In Flirt, l’attrice e manipolatrice Silvia Torri anima oggetti d’uso comune che diventano i personaggi di fugaci storie d’amore, sorte e dissolte tra i meccanismi da fast food sentimentale delle app d’incontro. La protagonista, un femidom, si lancia in una giostra di frenetici speed date che mostrano l’ossatura e il disagio di meccanismi relazionali diffusi. Silvia Torri costruisce un percorso narrativo che interseca in maniera agile e intelligente diversi registri, insistendo sulla libertà sessuale femminile e la sua relativa demonizzazione, fil rouge tematico dell’esplorazione teatrale di Créature Ingrate.

Con un lavoro di scouting che vede impegnati spettatori e spettatrici della direzione artistica partecipata under 25, per ciascuna edizione vengono selezionati e presentati gli studi di compagnie cui viene riservata una possibilità di residenza e circuitazione presso i partner del territorio. Di anno in anno, la composizione di Exotropia, sezione del festival dedicata al teatro emergente, diventa una cartina tornasole per individuare le tendenze e le direzioni del teatro under 35 italiano.

Tendenze e direzioni che, per essere discusse, necessitano di una seppur superficiale premessa: Peter Brook ci ha insegnato che per dare inizio a un atto teatrale occorre che qualcuno attraversi uno spazio vuoto mentre qualcun altro lo guarda. Una via negativa, un principio base che verte unicamente sulla relazione, in assoluta assenza di mezzi. Ma come si innesta questa essenzialità sul lavoro in costruzione di giovani artisti e artiste, operanti in un sistema cannibale che non investe sulla formazione, in un numerificio che continuamente sprona all’iperproduttività, che non favorisce la ricerca, che innesca la competizione, che incenerisce i percorsi artistici al grido di miracoli modaioli, che non considera la possibilità di fallimento?

Ecco che, se tale quesito diventa sottotesto della riflessione, le tre macro-derive del teatro emergente accostabili al teatro di narrazione, al performativo e alla commistione di linguaggi non sempre – o non ancora – sostenute da una consapevolezza tecnica, trovano una ragione economica e di sistema prima che artistica.

Ad aprire Exotropia, Molto dolore per nulla dell’attrice e autrice umbra Luisa Borini che, a partire dal dato autobiografico, racconta la dipendenza affettiva nel mondo femminile. In un monologare da stand-up comedy, Borini conduce il pubblico lungo un percorso che segue il moto ondoso delle relazioni tossiche: dall’eccitazione ingenua e gioiosa fino alla drammatica presa di coscienza delle microviolenze in atto o subite.

Ancora una storia di disagio psichico femminile è quella proposta dalla compagnia Pars Costruens di Parma. In Verderame, una nonna, una madre e una figlia, rappresentanti di tre stadi evolutivi, in termini sociali e biologici, si gettano nell’esplorazione della propria parte oscura solitamente rigettata. Come parassiti che divorano nell’invisibilità, le forze psichiche che lavorano in opposizione ai desideri si dipanano sulla scena. La collocazione onirica del racconto consente una disarticolazione della narrazione e una convivenza di differenti linguaggi in via di armonizzazione.

Memoria e identità sono i pilastri del delicato e potente racconto che Andrea Di Palma porta in scena con Mani di sarta. Il passaggio a un’economia industriale che ha interessato l’area ciociara dagli anni ’70 in poi, ha condotto a un disastro ambientale che ancora oggi miete vittime. Fuggendo i tecnicismi, Andrea di Palma traccia un commovente ritratto dell’artigianato preindustriale, a partire dal ricordo della nonna, una sarta che, mentre batte a macchina e cuce orli, intesse la trama delle vite inquinate degli abitanti della Valle del Sacco.

Cosa ci fa sentire donne oltre il dato biologico? Agata, la guerra è delle donne di Ilaria Weiss si origina da una ricerca sul campo, dall’incontro con donne, bambine, ragazze allo scopo di recuperare le radici archetipe della rivendicazione femminile. La drammaturgia, collazione delle istanze emerse dalle conversazioni con le donne incontrate, è il binario su cui corre un lavoro scenico essenziale che, sul finale, apre coraggiosamente a una presa di responsabilità corale.

Afferrare Marla! di Arti Fragili/Cartocci sonori racconta un suicidio. Quello di una ragazza schiacciata dal peso di una società che pone continuamente in confronto con desideri e risultati. Un tema-tabù, affrontato con una tecnica attoriale degna di nota, che si snoda in un andirivieni di stili e segni dall’alto valore simbolico. Afferrare Marla! è uno sforzo collettivo di esorcizzare la morte.

Stacanovismo ed efficienza, performatività e giudizio sono la materia di cui si compone la spada di Damocle che pende sul capo di chi entra a far parte del mondo del lavoro. Preferisco il rumore del mare di BALT si interroga sull’infelicità generata dal lavoro che assorbe la vita quotidiana. «È importante come ti mostri, più di quello che fai» ripetono in scena gli attori, in un dispositivo beckettiano che li porta ad attraversare lo spazio compulsivamente, per evitare di fermarsi, di contemplare il vuoto che gli si spande intorno, evitando il centro occupato da uno specchio riflettente la trappola di rabbia e sacrificio in cui si trovano invischiati.

L’autobiografia come sorgente creativa è comune a tutti gli studi di Exotropia 2022, segno di un’urgenza bruciante di mettere in discussione la propria condizione di artisti ed essere umani, di trovare vie d’uscita, di ampliare spazi d’ascolto ancora troppo claustrofobici.

Volgendo uno sguardo al futuro è confortante constatare l’energia e la dedizione con cui questi artisti e queste artiste si dedicano all’arte teatrale.
Come confortante è l’infaticabile azione svolta da Strabismi, un festival che sa difendere e far fiorire il teatro, capace di ribadire la necessità di fare arte nella comunità che ha saputo costruire in questi otto anni di attività.

Strabismi è realizzato con il sostegno di: Regione Umbria – Comune di Cannara Amandola Gelateria Foligno – Effetre Srl – Educazione e Addestramento cani Funny Dog – Cantina Di Filippo – Fondazione Cassa di Risparmio di Foligno – Blue Sky Bar – Dylan Return – Music Service Calderini – Angelini & Co. srl – Prodotti e Soluzioni per Ufficio – Conad Cannara

Ornella Rosato

Nasce a Napoli nel 1993. Nel 2017 consegue la laurea in Arti e Scienze dello Spettacolo con una tesi in Antropologia Teatrale. Ha lavorato come redattrice per Biblioteca Teatrale – Rivista di Studi e Ricerche sullo Spettacolo edita da Bulzoni Editore. Nel 2019 prende parte al progetto di archiviazione di materiali museali presso SIAE – Società Italiana Autori Editori. Dal 2020 dirige la webzine di Theatron 2.0, portando avanti progetti di formazione e promozione della cultura teatrale, in collaborazione con numerose realtà italiane.

Bildung: imparare a diventare sé stessi. Il processo creativo ininterrotto di Malmadur

da Ornella Rosato | 11 Ott 2022 | Storytelling

PimOff è uno spazio culturale milanese gestito da un team di professioniste che ha individuato nella libera possibilità di ricerca e sperimentazione, offerta a giovani compagnie e artisti, la propria mission. Una casa-teatro dove sospendere la frenetica corsa del tempo per dedicarsi alla scoperta della propria indagine teatrale. 

Da queste premesse nasce il Premio PimOff per il teatro contemporaneo, giunto alla sua terza edizione, che intende sostenere la giovane creatività contemporanea italiana, selezionando progetti inediti e supportandoli nelle fasi finali di creazione di distribuzione nei circuiti nazionali. La vittoria del Premio prevede, infatti, il prosieguo della ricerca durante i tre periodi di residenza messi a disposizione da Gli Scarti, Sementerie Artistiche e PimOff. 

Per raccontare i percorsi artistici, le visioni e le poetiche degli artisti e delle artiste che il 22 Ottobre presenteranno gli esiti del proprio lavoro, incontriamo le compagnie finaliste.

L’approccio creativo di Malmadur sposa gli intenti del Premio PimOff, individuando nell’approccio lento al lavoro, nel tempo di gestazione spettacolare dilatato e nella ricerca perpetua la propria cifra creativa e artistica. Con Bildung, uno dei tre progetti finalisti, viene portata a compimento la destrutturazione della relazione convenzionale tra performer e pubblico, in un dispositivo che richiede uno sforzo d’interazione allo spettatore, contestualmente posto dentro e fuori il processo creativo.

L’ossessione per l’acquisizione di competenze, la trasmissione della memoria e l’archiviazione delle conoscenze acquisite sono il nucleo tematico di Bildung, un processo creativo ininterrotto in cui imparare a diventare sé stessi. 
Ne parliamo con il drammaturgo e performer Jacopo Giacomoni.

Ripercorriamo la storia della vostra compagnia: come è nata Malmadur, intorno a quali visioni artistiche vi siete riuniti?

Malmadur è stata fondata 9 anni fa in seguito alla vittoria del Premio OFF del Teatro Stabile del Veneto, con lo spettacolo Lear/Del conflitto generazionale, che ci ha permesso di avviare la compagnia a livello economico.
Siamo nati come insieme di diverse compagnie che provenivano dall’Università IUAV e dalla Ca’ Foscari di Venezia, fino a quando non abbiamo intrapreso un percorso professionale e artistico congiunto. 

Non siamo partiti con un chiaro manifesto artistico, piuttosto abbiamo compreso quale fosse la nostra direzione attraverso una serie di tentativi. 

Quello di cui sono orgoglioso è che siamo riusciti, in maniera indipendente e contando solo sulle nostre forze, a costruire una piccola nicchia artistica in cui creare con i nostri tempi, con il nostro rigore, in maniera coerente.

Credo di poter affermare che dal 2017, a partire dagli ultimi tre spettacoli, abbiamo preso una direzione del tutto nostra. C’è stato un lungo tempo di rodaggio, come lunghi sono i tempi di gestazione dei nostri lavori, perché preferiamo concentrarci su un progetto grosso alla volta senza accettare compromessi.

Malmadur in trentino significa “non maturo, acerbo”. Un termine in cui ci rispecchiamo molto per il nostro costante tentativo di scoprirci, senza mai pensare di aver trovato un linguaggio definitivo attraverso cui identificarci una volta per tutte.

In Bildung la riflessione che proponete si concentra sulla trasmissione del sapere e sulla formazione personale. Per quanto concerne la formazione personale, la traduzione scenica della vostra ricerca è una messa alla prova continua di cui l’esito spettacolare è solo un tassello. Perché la scelta di questo tema e di questa modalità di lavoro che consente allo spettatore di stare contestualmente dentro e fuori al processo creativo che sottende la performance?

Negli ultimi anni ci troviamo spesso a lavorare con dispositivi che utilizzano l’imprevedibilità che si crea, al momento dello spettacolo, tra noi e gli spettatori. Sono strutture ludiche, nel senso più rigido del termine, che prevedono regole entro cui gli attori e gli spettatori devono muoversi. Si tratta di processi monchi che trovano compimento solo quando vengono messi in scena.
Ora più che mai intendiamo Bildung come un processo che continua a maturare e del quale il pubblico vede solo una piccola scheggia. 

Siamo partiti dall’idea di vedere in scena qualcuno che impara a fare qualcosa per davvero. Quella è stata la nostra scintilla, qualcosa di concreto su cui lavorare a livello drammaturgico, performativo. Ci siamo chiesti cosa significa trovarsi al cospetto di una persona che fa una cosa semplice, complessa e universale come confrontarsi con il proprio limite, con la propria ossessione, per agguantare piccole forme di sapere. Cosa provoca nello spettatore questo rapporto odi et amo con il sapere? 

Così abbiamo deciso di lavorare sul Bildung, sull’autoformazione dell’individuo. Abbiamo capito che non potevamo fingere di imparare a fare qualcosa, per essere autentici dovevamo imparare davvero. Quello dell’attore è un apprendimento costante e abbiamo scelto di non disperdere il momento delle prove, trattandole come lo scheletro del nostro spettacolo.

La trasmissione del sapere, la memoria, altro polo tematico entro cui si ascrive la ricerca condotta per Bildung, confluisce in un archivio online che porta traccia di tutte le tappe del lavoro. Come avviene la produzione di questo materiale, com’è suddiviso ai fini della sua archiviazione?

L’archivio raccoglie i tentativi di acquisizione dei saperi fondamentali che avvengono durante le prove e durante lo spettacolo, in modo che lo spettatore abbia una panoramica del punto di partenza e di arrivo dell’evoluzione tecnica dei performer.
L’acquisizione di competenze del performer è parallela allo sviluppo dello spettacolo. Le quattro forme di sapere individuate, a nostro avviso, raccontano qualcosa di universale, parlano della trasmissione del sapere fin dalle origini dell’uomo.

Uno è il sapere orale, l’Iliade imparata tramite l’ascolto di un podcast che ricostruisce il suono dell’opera in greco antico. L’altro è l’apprendimento mnemonico di tutte le parole del vocabolario, restituito in scena come una lunga poesia. Oltre ad avere a che fare con la trasmissione del sapere e con l’immortalità, abbiamo a che fare con l’insistenza morbosa per il raggiungimento dell’inafferrabile.
Le altre due forme di sapere sono legate al corpo: una è la verticale, una pratica capace di ribaltare il mondo; l’altra è il tracciare un cerchio perfetto con un gesso su una lavagna. Si tratta di forme simboliche, quattro modalità diverse di approcciare a un sapere ma anche a sé stessi. 
Il motto di Bildung è “imparare a diventare sé stessi”, intendiamo l’identità come un percorso, che può essere scoperta solo alla fine del tragitto della vita.

Come viene lavorato questo materiale ai fini della performance? In termini di processo creativo come avete lavorato insieme e come avviene il montaggio di questo materiale che si rinnova di volta in volta.

Per lasciare traccia, numeriamo questa montagna di tentativi. Ciò che avviene in scena non è la rappresentazione dei quattro saperi ma una riflessione sull’osservazione di qualcuno che impara qualcosa, sulla trasmissione reciproca di un sapere e, infine, sul delicato passaggio di informazione da performer a spettatore. Ecco perché cerchiamo di non perdere mai l’autenticità della relazione. 
A livello drammaturgico non abbiamo una trama in senso classico, ci sono dei punti che covano sotto il sapere e che vengono pian piano portati alla luce durante lo spettacolo. 

Ci siamo concentrati sulle forme per catturare il sapere, una di queste è l’audio: durante la performance facciamo ascoltare la prima registrazione di voce umana, avvenuta nel 1860, ad opera di un francese che ha registrato la propria voce mentre cantava una canzone per bambini. Ci connettiamo a questo momento della storia, cioè la prima volta che una vibrazione acustica si è sedimentata in un dispositivo, mettendola in relazione con l’ultima registrazione possibile, quella della voce degli spettatori seduti davanti davanti a noi. La stessa voce degli spettatori diventa materiale da tramandare. Abbiamo quindi avviato un lavoro iconografico su altre forme di incisione del sapere, come le incisioni rupestri e la calligrafia. Questo è l’arco narrativo, drammaturgico che lo spettacolo segue.

Ornella Rosato

Nasce a Napoli nel 1993. Nel 2017 consegue la laurea in Arti e Scienze dello Spettacolo con una tesi in Antropologia Teatrale. Ha lavorato come redattrice per Biblioteca Teatrale – Rivista di Studi e Ricerche sullo Spettacolo edita da Bulzoni Editore. Nel 2019 prende parte al progetto di archiviazione di materiali museali presso SIAE – Società Italiana Autori Editori. Dal 2020 dirige la webzine di Theatron 2.0, portando avanti progetti di formazione e promozione della cultura teatrale, in collaborazione con numerose realtà italiane.